1960-talet är så mycket mer än grooviga hippies, progressiva rockers och modiga fashionistas. Och när det gäller filmer hade de några av de bästa karaktärerna som någonsin har skapats.
Medan Hollywood fortsatte att tuffa på med polerad studiofilm, drev populariteten för filmer på främmande språk filmkonsten framåt med utmanande berättelser, teman – och ofta ovanliga karaktärer. Den nya vågen i Frankrike, Japan och Italien, för att inte tala om västernfilmernas renässans i hela Europa, introducerade en mängd attraktiva, amoraliska antihjältar. Under tiden i USA höll flera av de största stjärnorna i Hollywood sina profiler uppe genom att spela några av de mest ikoniska karaktärerna någonsin på film.
Från visdomsfulla revolvermän till bekymrade kvinnor och cowboys som rider ovanpå kärnvapenstridsspetsar – nedan följer 32 av de största filmkaraktärerna från 1960-talet.
32. överste George Taylor (Apornas planet)
(Bildkredit: 20th Century Studios)
När Charlton Hestons överste George Taylor, en mänsklig astronaut, äntligen börjar tala i sci-fi-klassikern Apornas planet från 1968 exploderar hans ord som en kärnvapenexplosion, och den efterföljande tystnaden från de vandrande, talande aporna är lika öronbedövande. På en futuristisk jord som styrs av hyperintelligenta simianer och där mänskligheten är obegripliga vildar är överste Taylor en avatar för hela mänskligheten, hans kvarleva av en mäktig men arrogant art som är dömd att inse vårt stora fall från dominansen.
31. Rosemary Woodhouse (Rosemarys baby)
(Bildkredit: Paramount Pictures)
Det är olyckligt och ironiskt att en av de bästa filmerna om en kvinnas förlust av handlingsutrymme kommer från regissören Roman Polanski. Men Polanskis psykologiska skräckklassiker Rosemary’s Baby från 1968 är ändå brännande, med en mycket uttrycksfull Mia Farrow i centrum. Farrow spelar Rosemary Woodhouse, en ung hustru till en framgångsrik teaterskådespelare i New York vars graviditet leder till alla typer av oförklarliga problem och hemsökelser i deras nya lägenhet. Rosemary’s Baby har ett av de mörkaste sluten genom tiderna, och så mycket av det påverkar vårt bestående minne av Rosemary – en oskyldig kvinna, helt korrumperad inifrån av obeskrivlig ondska.
30. Lucky Jackson (Viva Las Vegas)
(Bildkredit: MGM)
Viva Las Vegas är en av Elvis Presleys definitiva filmer med rock ’n roll-titanen i huvudrollen som en sjungande racerförare som blir kär i en simlärare på ett hotell i Las Vegas (spelad av den vackra Ann-Margret). Även om Lucky Jackson är okomplicerad är han den perfekta definitionen av cool tack vare en het Presley, vars enkla scennärvaro på ett bra sätt översattes till en filmkarriär under över ett decennium. Även om så mycket av filmen är glömsk är dess titellåt ”Viva Las Vegas” så obehagligt catchy, och Presleys prestation säljer in dess magnetism.
29. Gammal kvinna (Onibaba)
(Bildkredit: Toho)
I Kaneto Shindos kusliga skräckklassiker Onibaba, som utspelar sig på 1300-talet, snärjer två kvinnor – en gammal kvinna (spelad av Nobuko Otowa) och hennes unga svärdotter (Jitsuko Yoshimura) – borttappade samurajer, gör sig av med deras kroppar och säljer sina varor för pengar. Till slut leder svartsjuka och misstänksamhet till att de intrigerande kvinnorna hamnar i sitt eget bittra inbördeskrig, där Otowas rollfigur dukar under för en ondskefull övernaturlig varelse (via en demonisk ansiktsmask). Otowas gastkramande framträdande avslöjar det djupa mörkret hos en kvinna som inser sitt öde i ondskans bokstavliga ansikte och skapar en bestående bild av mänsklighetens egen hjälplöshet mot eldritch-krafter.
28. Michel (Andningslös)
(Bildkredit: SociÉtÉ nouvelle de cinÉmatographie)
Michel, som spelas av Jean-Paul Belmondo, är den franska nya vågens prototypiska hjälte och den dödsdömde huvudpersonen i Jean-Luc Godards vördade mästerverk Andlös. Michel är en småbrottsling som lider av kortsynthet och romantiska vanföreställningar, och han modellerar sig avsiktligt efter Humphrey Bogart, och genom sin flirt med en vacker amerikansk journaliststudent i Paris framstår hans fetischism för lyckliga slut i Hollywood-stil som ironisk med tanke på det dystra öde som väntar honom. Michel är inte en dålig kille. Inte på riktigt i alla fall. Han är bara lite vilsen i sitt eget fantasifulla självbildsskapande.
27. Kung Ghidorah (Ghidorah, det trehövdade monstret)
(Bildkredit: Toho)
1954 steg Godzilla upp ur djupet och stampade genom Tokyo, där han ödelade allt med sin atomiska andedräkt. Tio år senare blev Godzilla jordens beskyddare mot ett ännu större hot: Ghidorah, en trehövdad gyllene drake som påminner om den japanska myten. Oavsett ursprung, antikt eller utomjordiskt, har Ghidorah – som gjorde sin filmdebut 1964 i filmen Ghidorah, the Three-Headed Monster – en bestående status som en av Godzillas största rivaler, en best som kan åstadkomma enorm förstörelse. Ghidorah är helt enkelt ett fantastiskt filmmonster genom tiderna och höjer sig över andra i Godzilla-kanon för sin rent skrämmande närvaro.
26. Barbarella (Barbarella)
(Bildkredit: Paramount Pictures)
Innan prinsessan Leia dök upp i en galax långt, långt borta fanns Barbarella. En sensuell rymdkrigare som fick liv av den sprudlande Jane Fonda, Barbarella är en högenergisk hjältinna som bär sin sexualitet på ärmen. (Tja, det skulle hon göra om hon hade några ärmar.) Fondas Barbarella är en hyllning från sent 1960-tal till snuskiga serietidningar och är glatt fånig och erbjuder ett tematiskt djup som bara är huddjupt. Men tack vare Jane Fondas talang och skönhet är Barbarella en ikonisk sci-fi-filmdrottning som kan göra rymden för het att hantera.
25. Christine (Ögon utan ansikte)
(Bildkredit: Janus Films)
Det är poetiskt att det i Georges Franjus Ögon utan ansikte är den med den mest fruktansvärda ansiktsdeformiteten vars samvete förblir intakt. I Franjus franska skräckklassiker spelar Édith Scob huvudrollen som Christine, den förmodat döda dottern till den berömde läkaren Dr GÉnessier (Pierre Brasseur). I själva verket har Christine överlevt en våldsam bilolycka, och i sin isolering lider hon av förödande ärr. Detta får Dr GÉnessier (och hans assistent) att kidnappa vackra unga kvinnor och skörda deras ansikten för experimentella procedurer för att ”bota” Christines sjukdom. Men medan hennes far har blivit ett monster behåller Christine sin mänsklighet, även om samhället utanför skulle sky henne i gengäld.
24. Butch Cassidy och Harry Longabaugh (Butch Cassidy och Sundance Kid)
(Bildkredit: 20th Century Studios)
Paul Newman och Robert Redford gjorde sin första roll som par på vita duken som de laglösa revolvermännen Butch Cassidy och ”Sundance Kid” Harry Longabaugh. Med sina kompletterande kontrasterande personligheter – Butch är den sprudlande skytten och Harry föredrar att hålla hattbrynet lågt och fokusera på lärarinnan Etta – förtjänar de två sin plats som en av filmhistoriens bästa manliga duos och blir förebilden för actionkomedipar under årtionden framöver. Långt innan sociala medier och TikTok populariserade idén om att ha en ”ride and die”, levde Butch Cassidy och Harry Longabaugh upp till den andan och blev odödliga i sin avslutande bild med fryst bild.
23. Dolores Haze (Lolita)
(Bildkredit: MGM)
Hur kunde de någonsin göra en film av Lolita? De gav rollen till 14-åriga Sue Lyon. I Stanley Kubricks kontroversiella men hyllade filmatisering av Vladimir Nabokovs roman spelar Lyon Dolores Haze, föremålet (och hon är verkligen ett föremål) för den medelålders professorn Humbert Humberts tillgivenhet. Trots alla läsningar man kan göra av Lolita, både romanen och dess oupplösliga filmversioner, finns det alltid en fråga om Dolores själv. Hon använder aldrig smeknamnet ”Lolita”. Det används av andra, vilket i själva verket berövar henne hennes subjektivitet.
Tyvärr kom Lyons minnesvärda porträtt med kusligt passande baksidor för henne själv, eftersom Lyons senare uttryckte svårigheter att upprätthålla sin mentala och känslomässiga hälsa efter att ha blivit berömd i ung ålder på grund av sin sexualitet. År 1996 berättade Lyons för The Independent: ”Min förstörelse som person härstammar från den filmen. Lolita utsatte mig för frestelser som ingen flicka i den åldern borde utsättas för. Jag utmanar varje söt flicka som skjuts till stjärnstatus vid 14 års ålder i en roll som sexnymf att hålla sig på en jämn nivå därefter.”
22. Dolly Levi (Hej, Dolly!)
(Bildkredit: 20th Century Studios)
I de flesta versioner av musikalen Hello, Dolly!är Dolly Levi en älskad medelålders kvinna vars nya liv har gjort henne ivrig att matcha singlar och blanda sig i andras angelägenheter. I filmversionen från 1969 med superstjärnan Barbara Streisand är Dolly Levi lite mer grovhuggen, men hon är ändå en fröjd att se, så livlig och färgglad som hennes praktfulla garderob. Även om Streisand enligt uppgift inte kom överens med vare sig sin motspelare Walter Matthau eller regissören Gene Kelly bakom kulisserna, dämpade det inte Dolly Levi från att explodera av utstrålning.
21. Lucas ”Luke” Jackson (Cool Hand Luke)
(Bildkredit: Warner Bros.)
Paul Newman cementerade för alltid sin plats i filmhistorien för sin roll som den rebelliske fängelseinternaten Luke Jackson i Stuart Rosenbergs klassiker Cool Hand Luke från 1967. När Newmans oöverträffade filmstjärnekarisma blöder genom Lukes smutsiga fängelsegårdstrådar blir Luke trotsets skyddshelgon, som stör sitt förtryckande etablissemang med en sann känsla för humor. Luke Jackson är en eftersträvansvärd anarkist och får det att se så förbannat bra ut att vara med i ett kedjegäng.
20. Löjtnant Frank Bullitt (Bullitt)
(Bildkredit: Warner Bros.)
Han kör en Mustang som ingen annan kan, och han ser bra ut när han gör det. I den film som har kommit att definiera Steve McQueens karriär spelar McQueen den hårdkokta San Francisco-polisen Frank Bullitt som utreder ett fall som involverar Chicagos maffia. Ärligt talat spelar detaljerna i historien ingen roll. För det enda man egentligen minns om Bullitt, förutom den episka biljakten, är hur cool Frank Bullitt är. Frank Bullitt, som spelas av McQueen, går och pratar som om han vore hämtad ur en tidning. Med sin dregliga polotröja och avundsvärda Ford Mustang sprang karaktärer som Bullitt så att andra som John McClane och John Wick kunde springa.
19. Ryunosuke (Undergångens svärd)
(Bildkredit: Toho)
I strid med populära föreställningar om samurajer som ädla soldater som värderade heder, berättar Kihachi Okamotos film The Sword of Doom från 1966 om en amoralisk svärdsman, Ryunosuke (Tatsuya Nakadai), som vandrar genom det feodala Japan och lämnar ett spår av blodspillan i sin väg. Ryunosuke är kall och grym och använder sin egen svärdsstil, en olycksbådande form som kallas ”Silent Stance” som lurar motståndarna att dra in dem innan de hugger ner dem. Ryunosuke är en mörk antihjälte som bara lever och slåss för sig själv och är en av de mest fruktansvärda karaktärerna i samurajfilmernas historia, en person som gör ett tyst hån av Bushido-koden bara genom att vara snabbare, starkare och dödligare än alla som står i hans väg.
18. Maria Von Trapp (The Sound of Music)
(Bildkredit: 20th Century Studios)
Hur löser man ett problem som Maria? Ett år efter att Julie Andrews spelade en magisk barnflicka åt några brittiska snorungar i Mary Poppins, blev hon återigen guvernant åt sju österrikiska missanpassningar i Robert Wises filmversion av Roger & Hammersteins The Sound of Music. Medan Mary Poppins svävar fram med all Disney-magi är Andrews Maria Von Trapp mer jordnära, en instruktiv lärare i vad det innebär att njuta av livet och ta sig an dess många utmaningar med en sång. Med Andrews överlägsna prestation är Maria Von Trapp knappast ett ”problem” som behöver lösas.
17. Major T.J. Kong (Dr. Strangelove)
(Bildkredit: Columbia Pictures)
Peter Sellers spelar flera karaktärer i Stanley Kubricks Dr. Strangelove, men det finns en karaktär som han inte spelar som inspirerar till en av dess mest bestående bilder. Slim Pickens spelar i 1964 års krigssatir major T.J. ”King” Kong, en tecknad patriotisk B-52 befälhavare som rider en H-bomb till marken och hootin’ och hollerin’ hela vägen ner. Det bästa är att Pickens inte fick veta att filmen var en svart komedi, och hela hans prestation är resultatet av att spela rollen så rakt som möjligt. Ännu bättre: Enligt Kubrick-biografen John Baxter i en dokumentärintervju kom Slim Pickens till inspelningen första dagen klädd i cowboykläder från topp till tå. Alla trodde att han anlände i kostym. De fick senare veta att Slim Pickens alltid klädde sig så i verkliga livet.
16. Mrs Robinson (The Graduate)
(Bildkredit: Lionsgate)
Skål för dig, Mrs Robinson. I Mike Nichols tidlösa romcom-drama spelar Anne Bancroft huvudrollen som den oförutsägbara förförerskan Mrs Robinson, en medelålders kvinna i ett kärlekslöst äktenskap som inleder en ångande affär med den unge collegestudenten Benjamin (Dustin Hoffman). Långsamt blir Mrs Robinson filmens antagonist och använder deras affär för att hindra Benjamin från att dejta hennes dotter Elaine. Mrs Robinson är mycket känslomässig och manipulativ och är ett bevis på att några av de bästa filmskurkarna är de som kan locka dig med ett leende och en cigarett.
15. ”Pierrot” Ferdinand och Marianne (Pierrot le Fou)
(Bildkredit: Lionsgate)
I Jean-Luc Godards tionde film Pierrot le Fou, som allmänt betraktas som hans mästerverk och sinnebilden för den franska nya vågen, samarbetar Jean-Paul Belmondo och Anna Karina ofta som Ferdinand respektive Marianne. Ferdinand, en make som är missnöjd med det moderna livet, väljer att fly till Medelhavet med Marianne, en före detta flickvän som är på flykt undan regeringens mördare. De två inleder ett kriminellt liv, en äkta 1960-talsversion av Bonnie och Clyde, men med mycket mer bilexplosioner, skottlossning och brott mot den fjärde väggen. Tillsammans är de några av de bästa karaktärerna som någonsin dykt upp i fransk film, och de hävdar sin plats på sina egna ovanliga sätt.
14. Pauls farfar (En hård dags natt)
(Bildkredit: United Artists)
Alla har rätt till två. I den surrealistiska komedin A Hard Day’s Night med det legendariska rockbandet The Beatles spelar Wilfrid Brambell huvudrollen som John McCartney, Paul McCartneys ”farfar” som följer med bandet på deras resa till och runt London. ”Pauls farfar” beter sig som en lurendrejare direkt ur en sagobok och gör tummen upp för alla föreställningar om att han bara är en snäll gammal man genom att hamna i alla möjliga problem, från att spontant gifta om sig till att försöka sälja förfalskade autografer. Även i en film som är full av skämtare står Pauls farfar härligt ut och beter sig som om hela filmen faktiskt handlar om honom.
13. Inspektör Jacques Clouseau (Den rosa pantern)
(Bildkredit: United Artists)
Inspektör Jacques Clouseau är klumpig men alltid på rätt spår, oavsett hur mycket du ber honom att inte vara det, och han tar en komisk spegel av hjältarna i de hårdkokta mysterierna. I Blake Edwards satirfilm Den rosa pantern från 1964 var Clouseau något av en upptäckt eftersom han spelades av Peter Sellers. Filmen kretsar faktiskt kring David Nivens Sir Charles Lytton, en gentlemannatjuv som försöker hindra den oduglige Clouseau. Under produktionen insåg filmskaparna hur mycket Sellers Clouseau stal scenen och började därför skräddarsy filmen kring honom istället för dess faktiska ”huvudkaraktär”. Medan Clouseau hjälpte till att göra Rosa Pantern till en franchise, är hans första framträdande i den första filmen en överdimensionerad skrattfest när den är som bäst.
12. HAL 9000 (2001: En rymdodyssé)
(Bildkredit: MGM)
När science fiction mognade som filmgenre på 1960-talet visade Stanley Kubricks odödliga klassiker 2001: A Space Odyssey hur artificiell intelligens kan vara naturligt skrämmande. I Kubricks film blir den kyligt lågmälda superdatorn HAL 9000, som utformats för att hjälpa forskarna ombord på rymdskeppet Discovery One på väg till Jupiter, deras fiende genom att döda dem och använda skeppet för att plocka ner besättningen en efter en. Även om HAL 9000 på alla sätt är en skurk, väcker den frågor som mänskligheten fortfarande inte vet hur man ska besvara efter alla dessa år, till exempel värdet av ett liv även om de ”bara” är maskiner.
11. Corie Bratter (Barfota i parken)
(Bildkredit: Paramount Pictures)
I Gene Saks upprörande filmversion av Neil Simons teaterpjäs spelar Jane Fonda den livliga och passionerade Corey, nygift fru till den konservativt sinnade advokaten Paul (Robert Redford). Medan Paul håller fötterna på jorden gör Corey allt hon kan för att deras äktenskap ska kännas himmelskt, även när ett hål i deras glastak gör det alltför bokstavligt för att kännas bekvämt. Sexig och sensationell, Corie och faktiskt Barfota i parken som helhet är en film som ibland förbises och underskattas i kanon av 60-talsfilmer. Men det är en av de mest livfulla komedierna under årtiondet, och Fondas gränslösa överklagande som Corie gör filmen till en dröm.
10. Ben (Night of the Living Dead)
(Bildkredit: Janus Films)
I George Romeros grundläggande zombieskräckfilm Night of the Living Dead spelar skådespelaren Duane Jones Ben, en främling som blir de facto-ledare för en grupp människor på landsbygden i Pennsylvania den natt då de odöda lär sig att vandra bland de levande. Även om publiken får veta väldigt lite om vem Ben egentligen är innan filmen börjar, framstår han ändå som prototypen för framtida huvudpersoner i överlevnadsskräckfilmer. Night of the Dead var revolutionerande för sin tid, och är det på sätt och vis fortfarande, eftersom den valde en svart manlig skådespelare som Jones som huvudrollsinnehavare. Hans närvaro står i strid med konventionell visdom om hur filmer säljer, vilka berättelser svarta män kan förankra och hur dess kyliga slut visar hur våra fördomar gör oss blinda för våra verkliga fiender.
9. Guido Anselmi (8 ½)
(Bildkredit: Janus Films)
Som stand-in för regissören Frederico Fellini, Marcello Mastroiannis porträtt av en filmskapare som lider av en kreativ torrperiod gör att hans hyllade film 8 ½ får en betydande air av självreflektion. (Titeln är också en tydlig blinkning till Fellinis karriär och refererar till hans åtta tidigare filmer). Fellini ser dock inte alls ut som sitt projicerade alter ego: Guido Anselmi, en maskulin konstnär med silverfärgat hår som döljer sina glödande ögon bakom dyra solglasögon. Aldrig tidigare har plågade visionära själar sett så eleganta ut, och Guido Anselmi är deras förebild.
8. Holly Golightly (Frukost på Tiffany’s)
(Bildkredit: Paramount Pictures)
Blake Edwards filmversion av Frukost på Tiffany’s gör några kritiska justeringar av karaktären Holly Golightly från Truman Capotes originalroman. Men tack vare att den enda Audrey Hepburn lyser så starkt får Holly trots sin eleganta exteriör att kännas dimensionell och komplex. Holly är inte bara en stilikon som förkroppsligar 60-talets storstadsmode, hon är också en drömlik figur, ett väsen som bara kan skapas i de slutna miljöerna i en Hollywood rom-com men ändå känns tillräckligt levande för att kliva ut ur skärmen. Hon är vacker och sofistikerad men aldrig för bra för ett hjärtligt skratt. Att hon är lika bekymrad som hon är ensam bidrar till hennes dragningskraft. Även modetidningarna är benägna att ha rynkor.
7. Nana (Vivre sa vie)
(Bildkredit: Janus Films)
Filmer har inte alltid lyckliga slut. Människor som jagar sina drömmar belönas inte alltid för sina ansträngningar och sin uthållighet. Det är den spöklika tanken bakom Jean-Luc Godards mörka franska nya vågen-drama Vivre sa vie. Anna Karina spelar huvudrollen som den vackra unga parisiskan Nana som lämnar sin man och sitt spädbarn för att satsa på en skådespelarkarriär, men som prostituerar sig för att få ekonomin att gå ihop. Vivre sa vies grymma slut är inte bara hårt i sin konstruktion – en explosion av våld, följt av en abrupt klippning till svart – utan hur slarvigt det kasserar sin komplexa huvudperson, en individ som vi har sett uttrycka hela mänskligheten bara för att plötsligt bli kvarlämnad.
6. Norman Bates (Psycho)
(Bildkredit: Universal Pictures)
Psycho är inte bara en av de mest inflytelserika skräckfilmerna genom tiderna, dess antagonist Norman Bates (Anthony Perkins) är en av de mest centrala karaktärerna i filmhistorien. Man kan ge en hel collegekurs om vad Norman Bates representerar inom områdena psykologi och genusvetenskap, för att inte tala om hur skräck- och spänningsfilmer förlitar sig på narrativa vändningar för att hålla publiken gissande som Psycho gjorde. Men framför allt är det Anthony Perkins som ger Norman Bates en kuslig textur, som gör honom mindre till en skådespelare som spelar en roll och mer till en varg som tar på sig en förklädnad. Det finns något bakom hans leende, och inget av det är bra.
5. Dr. John Wade Prentice och Christina Drayton (Gissa vem som kommer på middag)
(Bildkredit: Columbia Pictures)
På ett sätt finns det inget anmärkningsvärt med Dr. John Prentice och Christine Drayton. De är förälskade yuppies, så lätta att föreställa sig i matchande Mickey och Minnie t-shirts på Disneyland eller rave om någon tråkig bed and breakfast. Men Stanley Kramers Guess Who’s Coming to Dinner släpptes 1967, när rasblandning fortfarande var olagligt i många delar av USA. Så detta trevliga par, en svart manlig läkare (den legendariske Sidney Poitier) och den unga vita dottern (Katharine Hepburn) till rika vita liberaler, är i själva verket radikala karaktärer, mindre som människor än vad de representerar: Hur kärlek kan och kommer att överskrida rasbakgrunder. Att vara en lättsam romantisk komedi som otvetydigt tar itu med rasism genom sitt vackra par gör Guess Who’s Coming to Dinner oändligt mycket viktigare, och mer konsekvensfull, än vad dess snygga utseende antyder.
4. Sanjuro (Yojimbo och Sanjuro)
(Bildkredit: Toho)
Toshiro Mifune spelade andra karaktärer än samurajer under hela sin filmkarriär. Men han är fortfarande starkt förknippad med dem, och det beror på filmer som Yojimbo och Sanjuro där han spelade huvudrollen som den vandrande anonyma ronin som går under namnet Sanjuro. Även om Yojimbo och Sanjuro är olika filmer när det gäller historien – den senare var ursprungligen en filmatisering av en roman innan den omarbetades till en direkt uppföljare till den massivt framgångsrika förstnämnda – har de båda den eldige Toshiro Mifune som den fruktade svärdsmannen som hamnar i olika affärer under sina resor. Om samurajfilmer verkligen är jämförbara med westernfilmer kan en karaktär som Sanjuro säkert konkurrera, och kanske dela en hel del gemensamt, med karaktärer som The Man with No Name.
3. Mannen utan namn (Dollars-trilogin)
(Bildkredit: MGM)
Det var inte Sergio Leones avsikt att Clint Eastwoods sluge revolverman utan namn skulle leda en filmtrilogi. Men med början i A Fisful of Dollars 1964 och slutet i The Good, the Bad, and the Ugly 1966 spelade Clint Eastwood en av de största och mest gåtfulla antihjältarna i hela kanon av westernfilmer. Mannen utan namn väcktes till liv av en svettig Eastwood, med skelande mandelögon, en dålig attityd och en poncho (vars ursprung på skärmen faktiskt skapar en halvdefinierad tidslinje för trilogin), är helt enkelt en av de coolaste och farligaste män som någonsin hållit i en revolver, en formativ figur som karaktärer som John Wick, John Marston och The Mandalorian står i tacksamhetsskuld till.
2. James Bond (007-serien)
(Bildkredit: MGM)
Hans namn är Bond… James Bond. Ursprungligen som den problematiska spionen i Ian Flemings litterära verk var det Sean Connery som för alltid formade vårt intryck och efterföljande förväntningar på James Bond under årtionden framöver. Han är stilig, han är karismatisk, han är lite för handgriplig för modern smak. Men han är Bond, en man av action och en man av mystik som generationer alltid kommer att sträva efter att efterlikna.
1. Atticus Finch (Att döda en härmtrast)
(Bildkredit: Universal Pictures)
Det krävs mer än att veta att man ska göra det rätta. Man måste veta hur man gör det rätta, hur man står upp för det och argumenterar för det. Även när människorna omkring dig stirrar in i dina egna ögon för att säga något annat. I Robert Mulligans filmatisering av Harper Lees klassiska roman ger Gregory Peck liv åt advokatmodellen Atticus Finch, som försvarar en oskyldig svart man som anklagas för att ha våldtagit en ung vit kvinna i det segregerade Alabama. (To Kill a Mockingbird släpptes hela två år innan Civil Rights Act från 1964 slog fast att segregationen var olaglig).
Det är en populär legend att Atticus Finch har varit en obekväm förebild bland idealistiska advokater. Men det förtar inte Atticus kraft som karaktär, lärorik i sin moral och en nordstjärna för oss alla att veta att rätt och fel inte är en enkel fråga om vad alla andra tror att det är. Atticus Finch är inte bara en av 1960-talets bästa filmkaraktärer – han är en av de bästa som någonsin har skapats.