Under det första årtiondet som var helt fritt från inskränkta innehållsbegränsningar men ändå plågades av mardrömmar om Vietnamkriget, förändrades filmerna för alltid under 1970-talet. Men vilka av dem är egentligen de bästa?
Efter att utländska filmskapare styrt 1960-talet var en ny rörelse, ”New Hollywood”, i full gång med inhemska Hollywoodregissörer som utövade mer kreativ kontroll över sitt arbete än tidigare. Samtidigt kändes världen, och särskilt Amerika, dyster om man skulle döma av de nyheter som förmedlades av den ständigt ökande närvaron av TV. Bland politiska skandaler, korrupta regeringar, stigande brottslighet och ökande cynism återspeglade filmerna en liknande melankolisk och/eller nihilistisk stämning. Inte ens miraklet med månlandningen 1969 lyckades inspirera till varaktig förundran över stjärnorna, eftersom filmskaparna gjorde rymden till en mycket skrämmande plats.
Underdog-sporthjältar, onda andar, utomjordiska besökare, Shaolin-munkar, medborgargarden, mördarhajar och mycket mer definierar ett komplicerat decennium som fortfarande präglades av Vietnamkrigets synder och ett återuppvaknande av spänningarna i det kalla kriget. Men vilka filmer underhöll publiken under dessa oroliga tider? Här är de 32 bästa filmerna från 1970-talet.
32. Slap Shot (1977)
(Bildkredit: Universal Pictures)
Arkivera den här under: Vad gör Paul Newman här? Slap Shot skrevs av manusförfattaren Nancy Dowd och är löst inspirerad av hennes verkliga brors hockeylag i den lägre ligan som såldes. Filmen är en ful uppgörelse om ett kämpande hockeylag i en liten stad som får ett rejält uppsving när dess nyaste spelare, bröderna Hanson, utövar spektakulära smackdowns på isen till fansens stora förtjusning. Slap Shot regisserades av George Roy Hill och föregick de flesta kultsportkomedier, men denna överträffar fortfarande dem alla med sin grottmänniskostämning, skrattvärdiga inslag och Oscarvinnaren Paul Newman – som spelarcoachen Ruggie Dunlop – är oväntat bekväm som en gråhårig omklädningsrumsveteran med en avundsvärd garderob.
31. Wanda (1970)
(Bildkredit: Bardene International Films)
Wanda är en milstolpe inom oberoende filmskapande och följer en kvinna utan framtidsutsikter som hamnar i sällskap med en bankrånare. Wanda, som skapades av författaren, regissören och huvudrollsinnehavaren Barbara Loden, är ett medkännande och tragiskt porträtt av kvinnor som faller mellan stolarna i det moderna samhället, vilket återspeglar Lodens egna känslor av mållöshet vid den tiden. Loden diagnostiserades med bröstcancer några år senare och dog 1980 med Wanda som Lodens enda regissörsinsats. Men även genom bara en film påverkade Loden generationer av oberoende konstnärer och satte permanent standarden för ikonoklast film.
30. Nashville (1975)
(Bildkredit: Paramount Pictures)
I Robert Altmans episka musikaliska komedi Nashville blir en veckolång politisk demonstration och musikfestival ett terrarium för 1970-talets Amerika, vars politiska och sociologiska vidd kondenseras till ett mikrokosmos av countrymusikindustrin. Filmen är känd för sin stora ensemble med bland andra David Arkin, Ned Beatty, Karen Black, Shelley Duvall, Jeff Goldblum, Lily Tomlin och alldeles för många fler för att nämnas. Även om Altmans film är marinerad i politiken och den sociala dynamiken i mitten av 70-talet, är den fortfarande kusligt relevant decennier senare.
29. Suspiria (1977)
(Bildkredit: Produzioni Atlas Consorziate)
Dario Argentos klassiker Suspiria från 1977 är en gigant inom giallo-skräck och ett utomjordiskt verk om de mörka sidorna av matriarkat och feminin konst. Jessica Harper spelar huvudrollen som en amerikansk ballerina som flyttar till en prestigefylld akademi i Tyskland, bara för att få veta att skolan är bebodd av ett häxförband. I denna fördärvade saga släpper Argento lös den livfulla technicolorens fulla kraft med en anstormning av röda, blå och rosa paletter som virvlar samman i något som liknar en besvärjelseritual. Suspiria kombineras med en nervkittlande atmosfär som frammanas genom ett slående score av det progressiva rockbandet Goblin, och är oförglömligt graciös och grym.
28. American Graffiti (1973)
(Bildkredit: Universal Pictures)
George Lucas var bara 29 år gammal när hans ungdomsklassiker American Graffiti gick upp på biograferna och fick strålande recensioner. Den framtida Star Wars-regissören befann sig knappast i sin medelålderskris när han visade upp vemodig nostalgi för sina tonår 1962, som en av många ohämmade ungdomar som satte sig i uppumpade hot rods och cruisade för äventyr i sina egna innerstäder. Medan Lucas namn nu är synonymt med storskaliga escapistiska blockbusters, känns hans mest jordnära film, som följer ett gäng rock-’n-roll tonåringar under en sommarnatt i Lucas hemstad Modesto i Kalifornien, fortfarande levande och kraftfull som ett halvt självbiografiskt tidsdokument gjort genom ögonen på någon som inte är mycket äldre än hans egna karaktärer.
27. The Rocky Horror Picture Show (1975)
(Bildkredit: 20th Century Studios)
Denna livliga hyllning till sci-fi och B-klassens skräckfilmer, regisserad av Jim Sharman och baserad på musikalen från 1973, ignorerades mest när den släpptes, då den fick dåliga recensioner och till och med fick sin världspremiär på Halloween i New York City inställd. Det var inte förrän ett år senare som filmen äntligen fick en skara fans och befäste sin status som en titan bland midnattsfilmer. Susan Sarandon och Barry Bostwick spelar huvudrollerna som ett ungt par som blir fångade i en galen vetenskapsmans kusliga herrgård (oförglömligt spelad av Tim Curry). Med sin vidriga estetik och smittsamma musik är The Rocky Horror Picture Show en evig inbjudan att göra Time Warp igen, och igen, och igen.
26. Den franska förbindelsen (1971)
(Bildkredit: 20th Century Studios)
William Friedkins crime noir är allmänt ansedd som en av de bästa filmerna genom tiderna och innehåller en av historiens bästa biljaktssekvenser. Den är baserad på en sann historia och fångar på ett autentiskt sätt den vintriga smutsen i New York i början av 1970-talet. The French Connection delar tiden mellan New York och det mer natursköna Frankrike och följer två hårdföra NYPD-detektiver (spelade av Gene Hackman och Roy Scheider) vars utredning av en knarkring avslöjar ett storskaligt internationellt system. The French Connection är en symbol för årtiondets moraliska förfall och gör fortfarande intryck efter alla dessa år.
25. Annie Hall (1977)
(Bildkredit: United Artists)
Även om beundran för Woody Allen förståeligt nog har svalnat under åren, förtjänar Annie Hall fortfarande att hyllas som en upprörande lekfull och djupt tankeväckande granskning av modern romantik. Författaren och regissören Allen spelar i princip sig själv (chockerande, jag vet) och filmen följer en neurotisk komiker som frågar sig varför hans förhållande med sin senaste flickvän, Annie Hall (Diane Keaton), gick i kras. Annie Hall är verklighetsfrånvänd och berättas på ett icke-linjärt sätt som hoppar mellan huvudpersonens ovanliga barndom och hans andra misslyckade äktenskap, och har så länge hållit sin domän som kungen av romantiska komedier, om än med ett lyckligt slut som fortfarande är olikt de flesta traditionella rom-coms.
24. Halloween (1978)
(Bildkredit: Trancas International Films)
Allt du behöver höra är de spöklika pianotonerna för att veta att du befinner dig på spottavstånd från en mördare i en kuslig vit Kapten Kirk-mask. John Carpenters fjärde film, Halloween, är grundläggande för slasher-genren och fortfarande en av de bästa den har att erbjuda. Skådespelerskan Jamie Lee Curtis blev berömd som Laurie Strode, en vanlig high school-tjej som på Halloween-natten blir våldsamt förföljd av Michael Myers (spelad av Nick Castle och Tony Moran), en oövervinnerlig mördare som rymt från ett mentalsjukhus. Halloween har inspirerat till många uppföljare och utgör en av de mest lukrativa skräckfilmsserierna genom tiderna, men originalfilmen är ett individuellt konstverk om de tysta trauman som lurar i bostadsområden överallt.
23. Kramer mot Kramer (1979)
(Bildkredit: Columbia Pictures)
I Robert Bentons hjärtskärande drama, baserat på en roman av Avery Corman från 1977, avslöjar en bitter skilsmässa mellan ett ungt par – spelade av Meryl Streep och Dustin Huffman – de många sätt på vilka samhället ställer betungande förväntningar på människor att uppfostra en familj som deras knän böjer sig under. I den här historien finns det inga skurkar (förutom några idiotiska advokater), bara den kalla sanningen att kärleken kan komma till korta i förhållande till vad vi faktiskt vill ha och behöver. Kramer vs. Kramer från 1979 gick hem hos publiken med sin autentiska skildring av moderna familjer; enligt uppgifter från CDC nådde skilsmässotalen en rekordhög nivå på 22,8 procent samma år.
22. Stålmannen: Filmen (1978)
(Bildkredit: Warner Bros.)
Med den stilige Christopher Reeve som Stålmannen, tillsammans med Margot Kidder och Gene Hackman, trodde publiken verkligen att en man kunde flyga. Richard Donners banbrytande superhjältefilm (och förebild för Marvel Cinematic Universe), som bygger på DC Comics ikon skapad av Jerry Siegel och Joe Shuster, bevisade att serietidningsberättelser kan berättas med skådespelare av kött och blod på vita duken. I en turbulent miljö som präglades av Vietnamkriget, Watergate-skandalen och den existentiella rädsla som det kalla kriget skapade, påminde Superman: The Movie publiken om att även de med makt fortfarande kan stå upp för sanning och rättvisa. Borde inte det vara det amerikanska sättet?
21. Enter the Dragon (1973)
(Bildkredit: Warner Bros. Pictures)
Bruce Lee är en större stjärna i döden än han någonsin var i livet, och det beror till stor del på den lockande Enter the Dragon. Under ledning av Robert Clouse är Enter the Dragon bäst ihågkommen som ett fordon för sin legendariska huvudrollsinnehavare att lysa med supernova-energi i sin enda Hollywood-film. Enter the Dragon är ett mästerverk i kampsportsmachismo med Lee i huvudrollen som en Shaolin-munk som rekryteras av den brittiska militären för att undersöka en brottsherres fästning på en ö. Det tragiska med Bruce Lees död, som inträffade under märkliga omständigheter bara några månader före filmens premiär, var att han uppenbarligen var ämnad för så mycket mer. Enter the Dragon ger bara en glimt av vad som kunde ha blivit.
20. Lördagskvällens feber (1977)
(Bildkredit: Paramount Pictures)
Inget definierar 1970-talet som disco, och ingen film definierar disco som John Badhams Saturday Night Fever. Med sitt monsterhit-soundtrack och en ung John Travolta som svajar som en hysterisk påfågel är Saturday Night Fever ett angrepp på sinnena som inte drar sig för att titta in i diskotekets mörka hörn. Travolta spelar en 19-årig arbetarklassman som sliter på sitt jobb i järnhandeln under veckan för att kunna leva som en kung varje lördagskväll på sin favoritnattklubb. Medan tidningsartikeln som filmen inspirerades av visade sig vara en fars, gjorde Saturday Night Fever verkligen disco till Amerikas besatthet under ett oförglömligt ögonblick i tiden.
19. Närkontakt av tredje slaget (1977)
(Bildkredit: Sony Pictures)
Före Steven Spielbergs egen omvälvande film E.T.: The Extra-Terrestrial är hans epos Close Encounters of the Third Kind från 1977. Efter ett slumpartat möte med ett UFO lyckas en elektriker från Indiana (Richard Dreyfuss) få en plats på första parkett vid det första officiella mötet mellan jorden och ett utomjordiskt samhälle. Close Encounters of the Third Kind var ett bländande spektakel med en särskilt kunglig ton och atmosfär än de flesta filmer om utomjordiska invasioner före eller efter, och var förebådaren till en nära framtid full av mogen science fiction.
18. Hjortjägaren (1978)
(Bildkredit: Universal Pictures)
Direkt efter Vietnamkriget tvekade majoriteten av Hollywood att ta itu med det oerhörda misslyckandet med USA:s utrikespolitik där mängder av människoliv spelades ut som spelpjäser. Men Michael Ciminos The Deer Hunter (med Robert De Niro, Christopher Walken och Meryl Streep i rollistan) var en av de första och fortfarande den mest anmärkningsvärda filmen som direkt behandlade Vietnamkrigets fruktansvärda erosion av den nationella moralen. Även om det råder delade meningar om hur The Deer Hunter avvek från det ursprungliga manuset, som utspelade sig i Las Vegas, är Ciminos film en obeveklig, oblindad kraftkälla om nära vänner i Pennsylvania vars liv för alltid förändras av deras militärtjänstgöring i Vietnam. Dess centrala ”spel” med rysk roulette tolkades av den store kritikern Roger Ebert som en ”organiserande symbol” om slumpmässigt våld som ”gör varje ideologiskt uttalande om kriget överflödigt”.
17. Stinget (1973)
(Bildkredit: Universal Pictures)
Några år efter att ha samarbetat med både Robert Redford och Paul Newman i Butch Cassidy and the Sundance Kid, återförenades regissören George Roy Hill med de två dekorerade skådespelarna i en annan filmisk stunning, The Sting. Denna oklanderligt eleganta nostalgiska kriminalfilm, som utspelar sig under den stora depressionen, handlar om två bedragare som slår sig ihop för att lura en maffiaboss. Karaktärernas omöjligt genomarbetade planer kompletteras av deras fina kläder, ett lättsamt ragtime-soundtrack och en övergripande estetisk design som medvetet för tankarna till känslan av att bläddra i dammiga exemplar av The Saturday Evening Post. Med Redford och Newman på alla cylindrar är det alldeles för lätt för The Sting att lura dig.
16. Carrie (1976)
(Bildkredit: United Artists)
Den ultimata anti-mobbningskampanjen som någonsin har skapats måste vara Carrie, Brian De Palmas skräckklassiker. Carrie är baserad på Stephen Kings lika formidabla debutroman och handlar om en blyg, mobbad tonåring (spelad av Sissy Spacek) som utvecklar övernaturliga krafter och använder dem för att hämnas på hela sin skola. Även om filmens slow motion-hällning av grisblod har blivit omskriven i all oändlighet, är Carrie fortfarande hemsökande i sin mardrömslika skildring av high school och hur den, för många olyckliga, är tillräckligt traumatiserande för att lämna djupa sår.
Carrie8,99 kr på Waterstones
15. Nätverk (1976)
(Bildkredit: United Artists)
För alla som har känt sig galna som fan och inte kan ta det längre finns Network. Sidney Lumets mörkt komiska drama är en banbrytande social kommentar om det ohållbara i mediernas oändliga sensationslystnad och handlar om ett TV-nätverk på gränsen till kollaps när dess respekterade nyhetsankare Howard Beale (Peter Finch) hotar att ta livet av sig i direktsändning. Hans mani ökar i takt med att tittarsiffrorna stiger, och Network utforskar smakens kall mot en lavin av giftig information. Network är långt före kabelnyheternas och de sociala mediernas era, men även efter alla dessa år har den aldrig förlorat sin poäng.
14. En fluga över gökboet (1975)
(Bildkredit: United Artists)
Jack Nicholson och Louise Fletcher spelar huvudrollerna i MiloŠ Formans One Flew Over the Cuckoo’s Nest, ett mörkt drama som utspelar sig på en mentalinstitution i Oregan där en patient (Nicholson) är utlämnad till den tyranniska Nurse Ratched (Fletcher) och leder ett uppror av sina medpatienter mot henne. Filmen är baserad på Ken Keseys roman från 1962 och existerar som en hyllad metafor för anti-konformitet; Roger Ebert påpekar i en strålande recension från 2003 att den förenklar lösningarna på mentala sjukdomar, men det är egentligen inte poängen ”eftersom den inte har något intresse av att handla om galenskap”, skrev Ebert. ”Den handlar om en fri själ i ett slutet system.”
En rolig detalj att notera: Filmen spelades in på Oregon State Hospital, ett legitimt fungerande mentalsjukhus. I utbyte mot att låta filmskaparna använda platsen och skådespelarna för att skugga riktiga patienter för forskning, var sjukhuspatienterna tvungna att bli en del av filmteamet. I en artikel för The Guardian 2017 kommenterade skådespelaren Michael Douglas, som producerade filmen: ”Vi fick ett antal [patienter] som arbetade på olika avdelningar. Jag insåg inte förrän senare att många av dem var kriminellt sinnessjuka. Vi hade en mordbrännare som arbetade på konstavdelningen.”
13. Solaris (1972)
(Bildkredit: Mosfilm)
Tänk dig att hata en annan film så mycket att du gör din egen bara för att ge dem en känga. Det var så den ryske filmskaparen Andrei Tarkovsky närmade sig sin sci-fi-film Solaris (baserad på Stanislaw Lems roman från 1961) som en motreaktion till Stanley Kubricks 2001: A Space Odyssey. På en rymdstation som kretsar kring den fiktiva planeten Solaris skickas en psykolog (spelad av Donatas Banionis) ut på ett uppdrag för att psykoanalysera besättningen, som har rapporterat att de har drabbats av en känslomässig kris. I motsats till Kubricks film kännetecknas Tarkovskijs Solaris inte av fläckfri design, utan av en sliten och nedgången estetik som talar till en mer genuin mänsklig upplevelse. Tarkovskij instruerade sin art director: ”Låt oss få vår rymdstation att se ut som en trasig gammal buss och inte som någon futuristisk rymdutopi.”
12. Dirty Harry (1971)
(Bildkredit: Warner Bros.)
När Hays-koden upplöstes 1968 dök Clint Eastwood upp, med en .357 Magnum i handen, med Dirty Harry 1971. Filmen regisserades av Don Siegel och Eastwood spelar den korrupte San Francisco-polisen ”Dirty” Harry Callahan, förmodligen filmhistoriens definitiva antihjälte på grund av hans ihärdiga beslutsamhet att upprätthålla lagen som ironiskt nog leder till att han ofta bryter mot den. Dirty Harry gav upphov till en franchise, men den första filmen är ett mäktigt verk där Hollywood äntligen, på riktigt, hängav sig åt våld på skärmen, vilket var A-OK när det rättfärdigades av Harrys missriktade rättfärdighet. Eastwoods retoriska fråga ”Känner du dig lyckligt lottad, punkare?” symboliserar miasman från ett omoraliskt årtionde.
11. Rocky (1976)
(Bildkredit: United Artists)
Efter att i flera år ha kämpat för att lyckas som skådespelare gav Sylvester Stallone nästan upp tanken på en karriär som skådespelare tills han långsamt fick arbete som TV-statist. Sedan klev han in i ringen med Rocky, och han har aldrig varit sig lik sedan dess. I John G. Avildsens känsloladdade sportdrama spelar Stallone den aspirerande boxaren och indrivaren Rocky Balboa som kastas in i huvudrollen när tungviktsmästaren Apollo Creed (Carl Weathers) väljer ut Rocky för en professionell uppvisningsmatch. Rocky är ett gripande sportdrama som inspirerade otaliga liknande filmer och är fortfarande en av de bästa sportfilmerna genom tiderna. Den gav förutsägbart upphov till en franchise, med Rocky III som gav världen ”Eye of the Tiger”.
10. A Clockwork Orange (1971)
(Bildkredit: Warner Bros.)
Stanley Kubricks surrealistiska dystopiska drama, en bearbetning av Anthony Burgess roman från 1962, är helt enkelt en av de mest störande filmerna genom tiderna. Kubricks tematiskt täta film, som kretsar kring en kusligt karismatisk tonårsgängledare (spelad av Malcolm McDowell), skildrar de extrema sidorna av ungdomsbrottslighet, försvagad social sammanhållning och myndigheternas maktlöshet. Dess fruktansvärda våld på skärmen har en poäng, men under lång tid har det tyvärr funnits människor som inte förstått poängen och filmen har på ett kontroversiellt sätt inspirerat till verkliga copycatbrott. Trots att A Clockwork Orange drogs tillbaka från biograferna på Kubricks insisterande, överlever den som ett mästerverk som leder sina många idéer genom de smala gångarna i en labyrint.
A Clockwork Orange£6.39at Amazon£8.19at Hit£9.69at Hive Books
9. Chinatown (1974)
(Bildkredit: Paramount Pictures)
Man kan definiera Roman Polanskis Chinatown med dess slutreplik: ”Glöm det, Jake. Det är Chinatown.” Utgångspunkten är bedrägligt enkel: 1937 anlitar en kvinna (Faye Dunaway) privatdetektiven Jake Gittes (Jack Nicholson) för att spåra hennes man som misstänks för otrohet. Vad som faktiskt händer är en flerskiktad utgrävning i de mörka djup som mänskligheten är oroväckande kapabel till, där filmen använder film noir- och mysteriekonventioner för att verkligen fungera som ett psykologiskt drama. Chinatown är inte bara en plats i filmen utan en metafor för kaos, ondska och meningslöshet, där det bästa och mest moraliska man kan göra är att inte göra någonting.
8. Apokalypsen nu (1979)
(Bildkredit: United Artists)
Francis Ford Coppola tappade nästan förståndet när han gjorde Apocalypse Now. Stressad av många problem under inspelningen, inklusive en överdriven budget, ett inspelningsschema som sträckte sig långt utöver de planerade fem månaderna, destruktiva stormar i Filippinerna och Charlie Sheen som drabbades av en hjärtattack, erkände Coppola själv 1991: ”Lite i taget blev vi galna.” Det är svårt att säga utan att vara Coppola om smärtan var värd det, men årtionden efter premiären 1979 betraktas Apocalypse Now allmänt som en megaklassiker och en ädelsten i New Hollywoods kanon. Filmen är en fantasmagorisk djupdykning i Vietnamkriget och handlar om en militärkapten (Sheen) som i hemlighet får i uppdrag att mörda en skurkaktig överste (Marlon Brando) som dyrkas av sina män och lokalbefolkningen som en halvgud. Apocalypse Now är briljant och djärv, och är utan tvekan den definitiva filmen om Vietnamkriget, men den är också viktig för alla som har varit i helvetet och tillbaka.
7. Exorcisten (1973)
(Bildkredit: Warner Bros.)
Det här är en film som skrämde publiken så mycket att ryktet spred sig som en löpeld och gjorde den till den kanske första virala succén. William Friedkin regisserade denna adaption av William Peter Blattys roman (som även skrev manuset) och berättar om en präst (Jason Miller) som drabbas av en troskris och får i uppdrag av kyrkan att undersöka en ung flickas (Linda Blair) demoniska besatthet. Exorcisten var en blockbuster som inte bara gjorde skräckgenren mer mainstream utan även respektabel, och visade att den kan så mycket mer än smink och monster. I det här fallet är det en skrämmande film om vad det innebär att konfrontera självtvivelets ondska. Lite trivia för dig: Filmen var komiskt nog planerad för en premiär dagen efter jul, den 26 december. Friedkin ville ha ett annat datum, men filmhistorikern Sarah Crowther har en teori om att datumet valdes med flit för att skapa lite kontrovers.
6. Alla presidentens män (1976)
(Bildkredit: Warner Bros.)
Något hände den 17 juni 1972 på Democratic National Committees huvudkontor i Washington D.C. Detta något var Watergate-skandalen, som blev en bok av Washington Post-journalisterna Carl Bernstein och Bob Woodward. Fyra år senare blev Bernsteins och Woodwards utredning till en av decenniets mest avgörande filmer: Alla presidentens män, i regi av Alan J. Pakula. All the President’s Men är en film som hyllar uppfinningsrikedom och dygdiga principer under hänsynslöst korrumperade regler, och den är fängslande just för sin oglamorösa inblick i den envisa ihärdigheten hos gumshoe-journalistiken. Det är ett yrke fullt av stängda dörrar, ignorerade telefonsamtal och anonyma kryptiska konversationer. Trots det slutar Pakulas film aldrig att vara så fängslande när två män söker sanningen när ingen annan är kapabel att göra jobbet.
5. Alien (1979)
(Bildkredit: 20th Century Studios)
Ridley Scotts monumentala sci-fi-skräckfilm skapade inte bara en långlivad franchise och gjorde Sigourney Weaver och John Hurt till stjärnor, utan formade också språket och estetiken för alla framtida genrehybrider som skulle komma. Filmen utspelar sig i en avlägsen framtid där rymdresor är vardagsmat och den sju man starka besättningen på det kommersiella bogserfartyget Nostromo väcks ur sin stasis av ett nödsamtal. När äventyrarna återvänder från sin undersökning av ett övergivet utomjordiskt skepp tar de omedvetet med sig en utomjordisk varelse, som snabbt växer till ett syrasprutande hot som hotar dem alla. Med sin ikoniska slogan ”I rymden kan ingen höra dig skrika” gav Alien ett nytt, skrämmande ansikte åt två legendariska genrer i ett svep.
4. Taxi Driver (1976)
(Bildkredit: Columbia Pictures)
Regissören Martin Scorsese ville att Taxi Driver skulle kännas som en dröm, men filmen är snarare en feberinducerad hallucination som en psykologisk thriller om en störd mans uppdrag att städa upp i ett korrupt New York City på egen hand. Med Robert De Niro i huvudrollen som Travis Bickle, en traumatiserad veteran från Vietnamkriget och nattlig taxichaufför, är Taxi Driver som att titta in i hjärnan på en osäker man som överkompenserar för sina tillkortakommanden med extrem maskulinitet och storhetsvansinne. Decennier efter premiären 1976 är Scorseses kontroversiella film – som inspirerade till minst ett försök till presidentmord – fortfarande oroväckande relevant.
3. Gudfadern (1972)
(Bildkredit: Paramount Pictures)
Francis Ford Coppola kunde ha stannat vid Gudfadern, och han skulle fortfarande vara en vördad filmkonstnär. Coppolas odödliga film är baserad på Mario Puzos bästsäljare från 1969 om en fiktiv italiensk maffiadynasti och har Al Pacino och Marlon Brando (plus James Cann, Robert Duvall och Diane Keaton) i huvudrollerna som ledarna för den kriminella familjen Corleone. Coppolas storslagna epos utspelar sig mellan åren 1945 och 1955 och Michael Corleone (Pacino) växer från den yngste sonen som är ovillig att ens tänka på sin familjs affärer till att efterträda sin far. Gudfadern är en riktig amerikansk klassiker och en av de bästa filmerna genom tiderna med sin dramatiska studie av familjedynamik samtidigt som den fångar den italienska maffians atmosfäriska världar i efterkrigstidens Amerika.
Gudfadern 6,63 kr på Amazon
2. Stjärnornas krig (1977)
(Bildkredit: 20th Century Studios)
Den gav upphov till en av de mest lukrativa och mest erkända mediefranchiserna i världen. Men även om den aldrig gjorde det är George Lucas film Star Wars från 1977 (sedan dess med titeln Star Wars: Episode IV – A New Hope) en konstnärlig prestation av ren fantasi. Star Wars har sitt ursprung i Lucas egen oförmåga att göra en Flash Gordon-film och är framför allt en klassisk berättelse om det goda mot det onda, där skruttiga underdogs beväpnade med progressiva ideal fortfarande kan vinna över överlägsna styrkor. Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness och James Earl Jones har den befallande rösten i detta ultimata äventyr från en galax långt, långt borta.
Star Wars£9.95på Amazon£12.98på Amazon£13.60på Amazon
1. Hajen (1975)
(Bildkredit: Universal Pictures)
Bara för att det är sommar betyder det inte att du inte ska frukta mörkret i avgrunden under dig. I Steven Spielbergs definitiva monsterskräckfilm Hajen terroriseras en naturskön strandstad av en särskilt hungrig vithaj som räknar kroppar som en beräknande seriemördare. Spielberg var en av de första riktiga Hollywood-blockbustrarna och lyckades på ett smart sätt övervinna tekniska problem med hajen för att skapa en atmosfär av ständig, oförutsägbar skräck; ingenting är egentligen läskigare när man inte vet var monstret befinner sig vid någon tidpunkt. Det finns många fler filmer från 1970-talet som förtjänar samma erkännande som några av de bästa genom tiderna, men bara en av dem är tillräckligt värdig för att kräva en större båt.
Hajen8.1/10Se på Netflix6,39€ på Amazon9,69€ på Hive Books