Oavsett vad du tror att 1960-talet var eller såg ut som, så kan du tänka om. Det omtumlande årtiondet är mångfacetterat på alla möjliga sätt, inklusive på film. Men vilka filmer från 1960-talet är egentligen de bästa?
Under ett decennium som präglades av förändrade samhällsnormer, för att inte tala om medborgarrättsrörelsen och det politiska träsket som Vietnam var, speglade 1960-talets filmer på samma sätt ett globalt samhälle i förändring. Avantgardistisk utländsk import från Japan, Italien, Frankrike och andra länder tog uppmärksamheten från beprövade amerikanska stilar. Samtidigt såg filmskaparna sitt hantverk utmanas av ett nytt, billigare underhållningsalternativ: TV. Istället för att erbjuda en högre nivå av spektakel än vad TV:s minimala budgetar kunde matcha, försökte decenniets filmer utmana publiken med mer subversiva berättelser som tänjde på gränserna för vad som var acceptabelt.
Precis som 1950-talet förebådade 1960-talet den närmaste framtidens moraliska tvetydigheter. När den inskränkta Hays-koden förlorade sitt skruvstädgrepp gav den plötsliga explosionen av New Hollywood – som redan uteslutits av den franska nya vågen – filmskaparna mer kreativ frihet, så att de i sina filmer kunde återspegla den hippa motkultur som genomsyrade städer, kollektiv och universitetscampus överallt.
Med så många klassiska filmer att nämna, här är bara 32 av de bästa filmerna från 1960-talet.
32. Batman (1966)
(Bildkredit: Warner Bros.)
Heliga film, Batman! Filmen Batman från 1966 (regisserad av Leslie H. Martinson) skapades ursprungligen av producenten William Dozier enbart för att marknadsföra TV-serien, men representerar nu camp art i all sin extravaganta prakt. Med Adam West i den roll som gjorde honom berömd kämpar den kapade korsriddaren mot Gotham Citys mest ondskefulla skurkar som har slagit sig samman i United Underworld. Även om det inte på något sätt är den bästa superhjältefilm som någonsin gjorts, gör dess sammanfattning av den berömda TV-serien – allt uppblåst för den stora skärmen – Batman till en av de mest färgstarka, mest upprörande och faktiskt roligaste kommersiella filmerna under ett utmanande årtionde. Det finns verkligen dagar då man bara inte kan bli av med en bomb.
31. Barbarella (1968)
(Bildkredit: Paramount Pictures)
En kultfilm av högsta rang, Jane Fonda spelar huvudrollen i en sci-fi-pärla av B-klass vars dragningskraft är det faktum att, ja, den har Jane Fonda som är en total snygging i rymden. (Och Barbarella är så genuint sevärd på grund av Fondas iver att göra vad som helst). Filmen är baserad på den franska serietidningsserien och följer Barbarella (Fonda), en rymdresenär som skickas för att hitta en forskare med ett vapen som kan utplåna mänskligheten. Efter att stjärnor som Brigitte Bardot och Sophia Loren tackat nej till rollen tvekade Fonda över dess sexualiserade karaktär; vid den tiden var Fonda i centrum för två nakenskandaler som involverade filmerna Circle of Love och The Game Is Over. Men Fonda blev såld när hon fick höra av regissören Roger Vadim att sci-fi snart kommer att bli en prestigefylld genre. Med Star Wars fortfarande nio år bort hade Vadim i stort sett rätt, även om Barbarella inte är en lika stor franchise idag.
30. Paraplyerna i Cherbourg (1964)
(Bildkredit: 20th Century Studios)
I Jacques Demys oförglömliga romantiska sung-through-musikal är ett ungt franskt par angelägna om att starta för evigt efter tills de slits isär av Algerietkriget. När de oundvikligen återförenas avslöjar de kyliga temperaturerna en passion som kallnat. Catherine Deneuve och Nino Castelnuovo spelar tillsammans som ett förtrollande par på vita duken som representerar den universella spänningen i att vara ung och förälskad, tragedin i att finna kärleken för tidigt och den bittra acceptansen att livet inte alltid kommer att bli som man planerat. Av de filmer som utgör Demys romantiska trilogi – inklusive Lola (1961) och The Young Girls of Rochefort (1967) – står The Umbrellas of Cherbourg högst som en film som är mest sann mot den unga kärlekens bitterljuva efemära.
29. Onibaba (1964)
(Bildkredit: Toho)
Det här är en film som är så skrämmande att den till och med skrämde William Friedkin, regissören av Exorcisten. Onibaba är en återberättelse av en buddhistisk liknelse som involverar en förbannad mask som straffar dem som bär den, och följer två kvinnor som lockar vandrande samurajer att döda dem och sälja deras vapen för pengar. När en man kommer emellan dem virvlar gamla känslor som avund och raseri upp som vindarna i en mörk och ohelig storm. Denna makabra bild med överlägsen eldrittisk energi är en utarbetad metafor för Japans kvarvarande trauman från atombomberna och får extra betydelse när man vet att författaren/regissören Kaneto Shindō var från Hiroshima. Onibaba var en av Shindōs många filmer som handlade om den nukleära förintelsens fasor och hans egen personliga verklighet när han såg sitt hem jämnas med marken och de överlevande lämnades med obotliga sår.
28. Easy Rider (1969)
(Bildkredit: Columbia Pictures)
Den amerikanska nya vågen började med full kraft med Easy Rider, en modern western om det någonsin funnits en. Easy Rider regisserades av Dennis Hopper och skrevs av Hopper tillsammans med Peter Fonda och Terry Southern, och följer två motorcyklister (spelade av Hopper och Fonda) som kommer från den amerikanska södern och beger sig västerut med pengar som de tjänat på en lukrativ kokainaffär. Easy Rider är ett episkt motkulturellt landmärke som på egen hand formade vår kollektiva vokabulär för den öppna vägen som den sista gränsen för äventyr och den enda platsen kvar på jorden för att hitta en känsla av identitet och frihet.
27. Lägenheten (1960)
(Bildkredit: United Artists)
Om bara väggarna kunde prata. I Billy Wilders romantiska komedi The Apartment från 1960 spelar Jack Lemmon en ambitiös försäkringsanställd som, i hopp om att stiga i graderna på sin arbetsplats, tillåter sina äldre kollegor att använda hans lägenhet på Upper West Side för sina utomäktenskapliga affärer. Saker och ting blir komplicerade när Lemmons Bud blir kär i Fran (Shirley MacLaine), som har en affär med Buds egen chef. Löst inspirerad av den brittiska filmen Brief Encounter från 1945 och en verklig Hollywood-skandal som involverade en producents affär som skedde i deras anställdas lägenhet, är The Apartment en härlig komedi om att aldrig vara för nära händelsernas centrum.
26. Att döda en härmtrast (1962)
(Bildkredit: Universal Pictures)
Harper Lees banbrytande roman från 1960, om en principfast advokat som försvarar en oskyldig svart man som anklagas för sexuella övergrepp, filmatiserades mästerligt två år senare av regissören Robert Mulligan. Med Gregory Peck i huvudrollen som Atticus Finch och Mary Badham som hans unga dotter Scout – vars perspektiv utgör berättelsens huvudsakliga synvinkel – har Mulligans filmversion hyllats som en amerikansk klassiker i sin egen rätt och är en ömsint och rörande studie av att växa upp i en miljö med fördomar. Genom Finchs oförglömliga försvarsmonolog (där Mulligans kamera klokt nog tar juryns perspektiv) har To Kill a Mockingbird gett otaliga generationer en instruktion i att stå upp för det som är rätt, även när rättvisa är en bristvara.
25. De levande dödas natt (1968)
(Bildkredit: Criterion)
Innan The Walking Dead fanns George Romeros Night of the Living Dead, som inte bara introducerade zombies i den amerikanska popkulturens lexikon utan utan tvekan gjorde genren bäst. På landsbygden i Pennsylvania slår sig sju överlevande ner på en bondgård när horder av köttätande lik plötsligt har vaknat till liv överallt. Night of the Living Dead skrev inte bara spelboken för alla zombieskräckhistorier, utan valet av den svarta skådespelaren Duane Jones (som huvudrollsinnehavaren Ben) var både revolutionerande och tydligt politiskt och förvandlade för alltid zombies till en dynamisk och flytande metafor för vad människan anser vara monstruöst i dess hjärtskärande twist-slut.
24. Apornas planet (1968)
(Bildkredit: 20th Century Studios)
Franklin J. Schaffners filmversion Planet of the Apes är löst baserad på Pierre Bulles roman från 1963 och har Charlton Heston i huvudrollen som en astronaut som landar på en främmande planet där mänskligheten är primitiv och talande apor har tagit över som den mest intelligenta arten. Apornas planet gav upphov till en franchise, men Schaffners original är ett högtstående stycke science fiction som är både tekniskt spektakulär och andligt förebådande. Så här många år senare är Apornas planet fortfarande en kraftfull varning mot mänsklighetens arroganta syn på sin plats i näringskedjan.
23. Den manchuriske kandidaten (1962)
(Bildkredit: United Artists)
Denna mörka psykologiska thriller av John Frankenheimer, baserad på Richard Condons roman, är en av det kalla krigets avgörande filmer som utnyttjade den då rådande paranoian över fiender som lurar inifrån. Filmen släpptes bara ett år innan mordet på JFK och följer en veteran från Koreakriget, Raymond Shaw (Laurence Harvey), som omedvetet hjärntvättas av kommunister och skickas tillbaka till USA för att döda en presidentkandidat. Med Frank Sinatra, Janet Leigh och Angela Lansbury i huvudrollerna satte den här formativa spionthrillerns rikliga politisering och konspirationer permanent ribban för alla spionthrillers efter den. Dess innovationer inom genren syns fortfarande i moderna liknande filmer, från The Bourne Identity till Captain America: The Winter Soldier. En lika formidabel modern remake släpptes 2004, med Denzel Washington, Liev Schrieber och Meryl Streep som stjärnor.
22. Barfota i parken (1967)
(Bildkredit: Paramount Pictures)
Jane Fonda och Robert Redford har aldrig varit roligare eller hetare än som ett nygift par som kommer ner från sin smekmånadslycka för att ta itu med verklighetens känsla för humor. Efter att ha flyttat in i en femvåningslägenhet på Manhattan får den frispråkiga Corie (en delirisk Fonda) och den något mer spända Paul (Redford, med skarp komisk timing) lära sig vad det faktiskt innebär att ha och att hålla när deras första månader tillsammans inte blir vad någon av dem hade föreställt sig. Även om handlingen är lätt som en fjäder, håller filmen – baserad på Neil Simons pjäs och regisserad av Gene Saks – tack vare den strålande karisman hos dess stiliga skådespelare.
21. Mary Poppins (1964)
(Bildkredit: Disney)
En av Disneys största succéer kom på 1960-talet, med Julie Andrews och Dick Van Dyke som dansade och sjöng om fördelarna med att leva ett mer engagerat familjeliv. I Edwardianska London flyger en magisk kvinna från skyn för att svara på Banks-barns rop efter ”den perfekta barnflickan”. Hon är Mary Poppins (Andrews), en mycket mystisk varelse som är både mild och bestämd, och precis den sked socker som familjen Banks behöver för att bli hel igen. Mary Poppins är tekniskt bländande och hälsosam i hjärtat, och är en av Disneys mest ikoniska och framgångsrika live action-filmer någonsin, och det av goda skäl. Vad annat finns det att säga än: ”Supercalifragilisticexpialidocious!”
20. Tokyo Drifter (1966)
(Bildkredit: Nikkatsu)
Seijun Suzukis hyllning till revolvermännen i västern kommer i form av hans otroligt snygga gangsterfilm Tokyo Drifter, om en reformerad torped vid namn Tetsu (Tesuya Watari) som hamnar i kläm mellan rivaliserande gäng som försöker konsolidera makten. Suzuki, som är känd för sin excentriska visuella stil, tvingades först av studion att tona ner sin känslighet på vita duken; studion gav honom en liten budget för att se till att Suzuki färglade inom deras ramar. Som vedergällning hämtade Suzuki inspiration från 1950-talets musikfilmer, absurda komedier och den framväxande popkonsten för att skapa sin dittills mest surrealistiska film. Denna filosofi om uppror som förklaring sipprar genom Tokyo Drifters porer, dess återhållna maximalism som finns i dess ramar skapar en upplevelse där du inte kan glömma hur det känns även om du inte kan räkna ut vad som händer.
19. Butch Cassidy och Sundance Kid (1969)
(Bildkredit: 20th Century Studios)
Georgy Roy Hills västernklassiker, skriven av William Goldman, har Paul Newman och Robert Redford i huvudrollerna som filmhistoriens coolaste och mest oantastliga laglösa under deras desperata flykt till Bolivia. Överlever de? Svaret på den frågan är mindre intressant än den rika, fängslande resa som Butch Cassidy (Newman) och Harry Longabaugh, alias ”Sundance Kid” (Redford) ger sig ut på under hela filmen, som partners i brott vars nära band gör dem till broderskapets och bromansens skyddshelgon. Även om Butch Cassidy and the Sundance Kid var impopulär när den släpptes har den vunnit respekt som en film som vittnar om att den största belöningen inte är de rikedomar du får, utan de erfarenheter du kan samla med dem som betyder mest.
18. En hård dags natt (1964)
(Bildkredit: United Artists)
Alla musikvideor, rockstjärnedokumentärer, konsertfilmer och TikTok-rullar har en skuld till A Hard Day’s Night. Richard Lesters film är ett kalejdoskop av komedi och musik, full av snabba klipp och handhållen hysteri, och fångar The Beatles på toppen av Beatlemania. Men snarare än att vara en överseende, självupptagen dokumentär om kändisskapets drama och trötthet, ser A Hard Day’s Night Liverpool-rockarna orsaka rabalder överallt där de går – utan en enda riktig historia i sikte. A Hard Day’s Night trollar intervjuare med Marx Brothers-liknande rutiner och flyr från skrikande fans som rör sig som getingsvärmar, och är mindre Taylor Swift: The Eras Tour och mer fransk New Wave i sin fritt rullande ondska och uppfinningsrikedom.
17. Fåglarna (1963)
(Bildkredit: Universal Pictures)
Efter Alfred Hitchcock såg vi aldrig fågelflockar på samma sätt igen. I denna ikoniska skräckfilm från 1963, baserad på en novell av Daphne du Maurier från 1952 och löst inspirerad av en massfågelattack i staden Capitola i Kalifornien två år tidigare, terroriserar aggressiva fåglar invånarna i en sömnig stad. Mördarkråkor och duvor kan låta töntiga på pappret, men en filmskapare som Hitchcock levererar en iskall skräckklassiker där naturen fortfarande behåller sin dominans oavsett mänsklighetens vetenskapliga framsteg. Med sin mästerliga användning av tystnad och tidiga specialeffekter kommer fåglarna aldrig att sluta flyga – och få oss att söka skydd.
16. The Graduate (1967)
(Bildkredit: Embassy Pictures)
Mike Nichols romantiska dramakomedi, en tidig oberoende filmhit, fångade skickligt den rastlösa andan hos 60-talets ungdomar i sin berättelse om en collegeexamen (Dustin Hoffman) som inleder en affär med en äldre kvinna (Anne Bancroft) samtidigt som han faller för hennes dotter Elaine (Katharine Ross). Att klara av det oförglömliga slutet, där de två turturduvorna långsamt inser den förkrossande omfattningen av sina handlingar, var ett genidrag från Nichols sida. Genom att helt enkelt inte berätta för sina skådespelare vad de ska göra härnäst efter att de stigit på bussen, speglar deras fysiska trötthet en andlig ambivalens. När både Hoffman och Ross slutar le under en förbryllande lång tagning avslöjar deras trötta ansiktsuttryck karaktärernas osäkerhet om kärleken är tillräckligt stark för att hålla.
15. Cool Hand Luke (1967)
(Bildkredit: Warner Bros.)
En av många ikoniska amerikanska filmer som stod för motkultur under Vietnamkriget, regissören Stuart Rosenbergs Cool Hand Luke med Paul Newman i huvudrollen som en fånge i Florida som vägrar att låta sina kedjor hålla honom nere. Filmen skrevs av Donn Pearce, vars egen kriminella bakgrund och två år i kedjegängen på Floridas kriminalvårdsanstalt inspirerade både hans roman och filmen. Cool Hand Luke är inspirerande och gripande och är praktiskt taget en instruktionsvideo om hur man behåller lugnet och är smartare än alla andra på en fientlig plats som vill se dig falla död ner.
14. Den gode, den onde och den fule (1966)
(Bildkredit: MGM)
Sergio Leone tillbringade 1960-talet med att definiera italiensk westernfilm med sin Dollars-trilogi, som följer de nomadiska bedrifterna av Mannen utan namn (Clint Eastwood). I den sista filmen efter A Fistful of Dollars (1964) och For a Few Dollars More (1965) följer Leone tre revolvermän – spelade av Eastwood, Eli Wallach och Lee Van Cleef – som tävlar om att hitta nedgrävt sydstatsguld under det amerikanska inbördeskriget. Även om de personliga åsikterna varierar om vilken av trilogierna som är bäst, är The Good, the Bad and the Ugly helt enkelt för episk för att ignoreras och förblir den mest symboliska av alla spaghettiwesterns. Med sin minnesvärda kinematografi och sitt operatiska våld har actionfilmskapare under årtionden hämtat inspiration från Leones bestående mästerverk.
13. Rosemarys baby (1968)
(Bildkredit: Paramount Pictures)
Det är en kall tröst att du aldrig ser barnets ansikte. I Roman Polanskis psykologiska skräckfilm spelar Mia Farrow en ung fru på Manhattan som misstänker att hon kan vara måltavla för sina grannar för att föda något oheligt. Polanskis film – som även har John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans och Charles Grodin i hans filmdebut – är en brännande och ultramörk thriller om en kvinnas förlust av handlingsförmåga (sorgligt ironiskt av Polanski) och hur 1900-talssamhällets marsch mot sekularism kan bli mänsklighetens undergång. Rosemary’s Baby var precis före kurvan eftersom hysterin över satanistiska kulter snabbt skulle ta en dominerande plats i tidningsrubrikerna under 1970- och 1980-talen.
12. Lawrence av Arabien (1962)
(Bildkredit: Columbia Pictures)
Kan någons liv vara så episkt att det blir en av de största äventyrsfilmerna som någonsin gjorts? Den brittiske 1900-talsarkeologen, arméofficeren och författaren T.E. Lawrence levde uppenbarligen ett sådant liv som blev David Leans Lawrence av Arabien. Med Peter O’Toole i huvudrollen, som vid den tiden var en okänd skådespelare men som gillades av Lean (från hans film The Day They Robbed the Bank of England från 1960), följer filmen Lawrence genom det ottomanska riket under första världskriget. Filmen i sig utforskar Lawrence svårigheter att förlika sig med våld och hans delade lojalitet mellan Storbritannien och hans nyfunna allierade inom arabiska styrkor. Lawrence av Arabien är en spektakulär blockbuster i en era som inte gjorde många sådana och galopperar med vildhet och en känsla av äventyr som inte kommer att ses förrän Raiders of the Lost Ark nästan 20 år senare.
11. Hög och låg (1963)
(Bildkredit: Toho)
Akira Kurosawa är, av goda skäl, känd som en regissör av eviga samurajepos. Men även när han zappar från sina egna zappar behåller den berömda konstnären alla sina bästa drag, som hans teatraliska formalitet och viljestarka karaktärer som kämpar mot förtryckande krafter. Låt oss börja med: High and Low, Kurosawas drivande, fint komponerade kriminaldrama från 1963. Baserat på Ed McBains roman King’s Ransom får en förmögen direktör (Toshiro Mifune) veta att hans son är kidnappad och hålls fången mot lösensumma, vilket blir startskottet för en svettig, framåtriktad intrig där tiden är av yttersta vikt. Kurosawa byter ut samurajrustningen mot fräscha skjortor och slipsar och funderar över Japans återuppståndelse efter kriget. Runt omkring sig såg regissören hur det japanska samhället snabbt utvecklades mot modernitet. Men till vilket pris?
10. Från Ryssland med kärlek (1963)
(Bildkredit: United Artists)
En James Bond-uppföljare som blåser bort även sin viktiga föregångare Dr. No ur vattnet, regissören Terence Young och skådespelaren Sean Connery återförenas för From Russia With Love, denna gång för att berätta en historia om Bond som hjälper en vacker sovjetisk avhoppare (Daniela Bianchi) att fly från SPECTREs grepp. Med MI6:s största spion nedsänkt i det kalla krigets spänningar håller From Russia With Love den sällsynta luften som en av de bästa Bond-uppföljarna som någonsin gjorts och är en grym, sexig och spännande blockbuster på en och samma gång. Det hjälper också att filmen understryks av en av alla tiders bästa Bond-låtar, sjungen av croonern Matt Monro.
9. Pierrot le Fou (1965)
(Bildkredit: SociÉtÉ Nouvelle de CinÉmatographie (SNC))
Jean-Luc Godard tillbringade 1960-talet med att hävda sin plats i den franska nya vågen genom filmer som Breathless (1960), Vivre sa vie (1962) och Band of Outsiders (1964). Men Godards högsta form kom 1965 med Pierrot le Fou, en livfull och färgstark experimentell road movie om en man (Jean-Paul Belmondo) som rymmer med sitt barns barnvakt och före detta älskare (Anna Karina) för att lämna deras bougievärld bakom sig. Pierrot le Fou är ett popkonstmonument fyllt av sensualitet, dödsdömd romantik och spillrorna av en raserad fjärde vägg, och den bekräftade inte bara Godards auteurstatus utan gav den även en guldplätering.
8. Frukost på Tiffany’s (1961)
(Bildkredit: Paramount Pictures)
Audrey Hepburn cementerade inte bara sin stjärnstatus med regissören Blake Edwards Breakfast at Tiffany’s, hon garanterade sin odödlighet. I denna gigantiska romantiska komedi spelar Hepburn Holly Golightly, en excentrisk societetsdam som blir kär i en kämpande författare (George Peppard). Bortsett från Mickey Rooneys rasistiska porträtt av en japansk granne är Frukost på Tiffany’s sprudlande och elegant, en film som tar kärleken i ditt hjärta och klär upp den i modet. Hepburns look som Holly är fortfarande allmänt känd som en symbol för tidlös skönhet, och det är svårt att argumentera för varför. En blick från henne in i Edwards kameralins, och alla är vi huvudet över dyra klackar.
7. La Dolce Vita (1960)
(Bildkredit: Columbia Pictures)
Frederico Fellinis namn är synonymt med fin italiensk film, och La Dolce Vita är en av hans mest långlivade succéer. Filmen följer en kändisjournalist (spelad av en ultracool Marcello Mastroianni, som utstrålar svulstighet i varje bildruta) som tillbringar en febrig vecka i Rom – en antik stad som översvämmas av glitter och glamour – på jakt efter något rent. Med en unik intrigstruktur och bitande humor njuter La Dolce Vita av dekadensen i en välmående efterkrigscivilisation samtidigt som den förebådar samhällets förgiftning av berömmelsens gifter.
6. Det vilda gänget (1969)
(Bildkredit: Warner Bros.)
Sam Peckinpah gav västernfilmerna sitt sista hurra med The Wild Bunch, en film om åldrande laglösa som kämpar för att anpassa sig till det moderniserande 1900-talet och går bort i en flamma av ära. Även om västernfilmer inte har dött ut helt och hållet hade genren tappat i popularitet på 1960-talet och har sedan dess aldrig återfått sin popularitet. Detta gör att bombardemanget av krutdurkar och kulornas rikoschetter som understryker Peckinpahs explosiva final i Agua Verde känns som ett fyrverkeri till minne av de otaliga hjältar med vita hattar och skurkar med svarta hattar som har prytt vita duken sedan Hollywoods begynnelse. Efter The Wild Bunch red westernfilmerna in i solnedgången, och de har aldrig sett tillbaka.
5. 8 ½ (1963)
(Bildkredit: Columbia Pictures)
Den italienske filmskaparen Frederico Fellini vände kameran mot sig själv i sin film om kampen för att upprätthålla författarskap och individualitet inom ett område som är föremål för offentlig granskning. I Fellinis åttonde film (därav titeln) spelar skådespelaren Marcello Mastroianni huvudrollen som Guido Anselmi, en regissör som desperat försöker behålla sin identitet genom den rigorösa, självutplånande processen att styra en science fiction-film med stor budget. Under tiden tänker Guido på de olika kvinnorna i sitt liv. 8 ½ är en surrealistisk metasvart komedi som suddar ut gränserna för kayfabe och anses med rätta vara en av de bästa filmerna om att göra film som någonsin gjorts.
4. West Side Story (1961)
(Bildkredit: United Artists)
Hur löser man ett problem som Maria? I denna moderniserade Romeo & Julia som utspelar sig i New York Citys rasifierade gatugäng, spelar Natalie Wood och Richard Beymer kärlekspar som blir förälskade medan de står på motsatta sidor i ett revirkrig. Originalversionen från 1961 – regisserad av Robert Wise och Jerome Robbins – är en musikalisk romans som djärvt behandlar skärmen som en scen, med komplex koreografi, levande färgpaletter och dynamisk kamerarörelse som påverkade personer som Michael Bay (som hyllade filmen i en intervju med New York Times 2001) och Steven Spielberg, som gjorde sin egen nyinspelning 2021. När du ser West Side Story är du ett fan för livet, hela vägen från din första cigarett till din sista döende dag.
3. Ögon utan ansikte (1960)
(Bildkredit: Lux Compagnie CinÉmatographique de France)
Georges Franjus banbrytande skräckfilm Eyes Without a Face från 1960 är visserligen äldre än de flesta slasherfilmer, men dess omskakande berättelse och brutala våld satte standarden som senare upprätthölls av genremästare som John Carpenter och Wes Craven. Ändå är Eyes Without a Face olik alla skräckfilmer du har sett, den är lika poetisk som den är grym. Filmen följer en berömd plastikkirurg (spelad av Pierre Brasseur) som snärjer vackra unga kvinnor för att skära i deras kött och reparera sin dotters tragiska vanställdhet. Édith Scob spelar också läkarens dotter, som bär en spöklik vit mask som känns som en föraning om framtida ikoner som Michael Myers och Jason Voorhees. Här blir det vackra och det hemska osannolika cellkamrater.
2. 2001: En odyssé i rymden (1968)
(Bildkredit: MGM)
Ingen film definierar 1960-talet men känns ändå så ur tiden som Stanley Kubricks 2001: A Space Odyssey. Efter två megaklassiker, Lolita (1962) och Dr. Strangelove (1964), blickade Kubrick mot stjärnorna med ett majestätiskt science fiction-epos som är en bearbetning av Arthur C. Clarkes novell ”The Sentinel”. Omfattningen av 2001 är enorm, eftersom det är en film som bokstavligen spänner över eoner från mänsklighetens primatursprung till, vad Kubrick förutspår, vår sofistikering som en rymdfarande art. Men oavsett hur långt framstegen tar oss är människan fortfarande utsatt för oförklarligt våld. Och på Discovery Ones resa till Jupiter har den artificiella intelligensen HAL 9000 några av sina egna idéer om överlevnad som dess köttsäcksmästare kanske inte skulle gilla. 2001: A Space Odyssey var vackert komponerad och olycksbådande på ett utomjordiskt sätt, och med bara en touch av en svart monolit tog filmen ett stort steg framåt.
2001: En rymdodyssé 7,99 kr på Amazon 8,19 kr på Hit 9,69 kr på Hive Books
1. Psycho (1960)
(Bildkredit: Paramount Pictures)
Med den vackra Janet Leigh, en flaska Hershey’s chokladsirap och ett pulserande allsträngat stycke av Bernard Herrmann skapade Alfred Hitchcock ett filmiskt mästerverk som tittade djupt in i våra psyken och hittade det som skrämde oss alla. Hitchcocks mest kända film är överfylld med röda sillar, svart komisk ironi och tät symbolik som skulle kunna fylla en föreläsning om freudiansk psykoanalys, och står kvar som en imponerande jätte som omdefinierade den kommersiella filmens acceptans för smak och förnyade konventionerna för den moderna skräckfilmen. Historien är baserad på Robert Blochs bok med samma namn och utspelar sig främst på det kusliga Bates Motel, som övervakas av den excentriske ägaren Norman Bates (Anthony Perkins) som döljer en mörk hemlighet. Även om Psycho har gett upphov till en franchise som inkluderar den populära TV-serien Bates Motel, står Psycho starkt på egen hand som en film som förändrade allt.