Under det första decenniet efter andra världskriget hade den globala filmindustrin inte missat ett steg. Men vilka av dem är egentligen de bästa?
Under mitten av 1900-talet utvecklades filmkonsten genom förfiningen av den kommersiella studiostilen. Samtidigt tog progressiva experiment, som elektronisk musik och utbredd användning av Technicolor och widescreen-panorama, mediet till nästa nivå. Samtidigt som allt detta hände blev filmstjärnorna alltmer vana vid att vara de enda anledningarna till att publiken överhuvudtaget gick och såg på film.
Filmarenan expanderade också under 1950-talet. Medan amerikanskproducerade Hollywoodfilmer hade kulturell och kommersiell dominans, började filmer från andra delar av världen – Japan, Sverige, Italien, Frankrike och andra länder – att komma in i diskussionen.
Även om den rådande bilden av 1950-talet kan vara sunda amerikanska värderingar, var de bästa filmerna som kom ut under dessa år allt annat än det. Med kommunistiska häxjakter, början på det kalla kriget och de grymheter som begicks under andra världskriget, är de bästa filmerna från 1950-talet genomsyrade av paranoia, psykologisk besatthet och dumdristigt mod mot oöverstigliga odds. Men det sjöngs och dansades också.
För att bevisa hur atmosfäriskt mångsidigt 1950-talet faktiskt var, här är 32 av årtiondets bästa filmer.
32. De tio budorden (1956)
(Bildkredit: Paramount)
Cecil B. DeMilles sista film är utan tvekan hans mästerverk, en Hollywood-blockbuster av bokstavligen bibliska proportioner. Baserad på flera källtexter, inklusive Doroth Clarke Wilsons Prince of Egypt, J. H. Ingrahams Pillar of Fire och inte minst Bibeln, följer The Ten Commandments Moses (Chartlon Heston) från hans födelse och adoption i Egypten till hans acceptans av Guds regler på Sinaibergets topp. Mer än bara en överdådigt utformad episk biografi, berättar The Ten Commandments också om Moses rivaliserande syskonrivalitet med Ramses II (Yul Brynner). Oavsett vad du tror på kan du inte förneka dess spektakulära majestät. Än idag är De tio budorden vad alla megadyra Hollywood-blockbusters bör sträva efter att efterlikna.
31. Askungen (1950)
(Bildkredit: Disney)
Efter lanseringen av Snövit och de sju dvärgarna 1937 ägnade Disney 40-talet åt att samla makt och inflytande som animationsstudio med kassasuccéer som Pinocchio, Dumbo och Bambi. 1950 inledde Disney årtiondet med Askungen, en hisnande musikalfantasi om ett överarbetat föräldralöst barn som blir balens skönhet, regisserad av Wilfred Jackson, Hamilton Luske och Clyde Geronimi. Askungen är förmodligen föregångaren till allt som definierar Disney och dess specifika stil av mytskapande och står högt i sin universella historia om magi, sann kärlek och att ha rätt storlek på fötter. När man tittar på den nu kan man inte låta bli att sjunga ”Bibiddi-Bobbidi-Boo!”
30. Förbjudna planeten (1956)
(Bildkredit: MGM)
”Man kan inte skåda gorgonens ansikte och leva!” Innan Star Wars för alltid förändrade språket inom filmisk sci-fi, fanns Forbidden Planet. I regi av Fred M. Wilcox och med Walter Pidgeon, Anne Francis och Leslie Nielsen i huvudrollerna är Forbidden Planet både en härlig pastisch på klassisk sci-fi och en sann innovatör, från den banbrytande helt elektroniska musiken till introduktionen av koncept som konstgjorda resor som går snabbare än ljuset. (Dess främsta karaktär, Robby the Robot, är också en Hollywood-legend i sin egen rätt). Historien handlar om en militär kryssare som skickas för att undersöka var försvunna kolonister befinner sig, en premiss som har upprepats av så många andra i genren under de många årtionden som har gått sedan dess.
Förbjuden planet7,99 på Amazon21,36 på Amazon
29. Det sjunde inseglet (1957)
(Bildkredit: SF Studios)
Sedan premiären 1957 är Ingmar Bergmans Det sjunde inseglet fortfarande regissörens största film genom tiderna och den film som cementerade Sveriges plats på den internationella filmarenan. Filmen är en historisk fantasi som utspelar sig under digerdöden och följer en ädel riddare (Max von Sydow) som spelar ett parti schack mot den maskerade och olycksbådande Döden (Bengt Ekerot). Omkring dem finns en ensemble av karaktärer som agerar i moralistiska tablåer som känns som predikningar. I en tid som präglas av fasor som Förintelsen och atombomber definierar Bergmans film helt och hållet sin tid men känns ändå tidlös i sin ödslighet och melankoli.
28. Sunset Boulevard (1950)
(Bildkredit: Paramount)
Hollywood är vansinnigt förälskat i berättelser om sig självt, även de smutsiga. År 1950 befann sig filmindustrin i en ny era där ”talkies” var normen och filmstjärnor började samla mer makt och kulturellt inflytande. In i bilden: Sunset Boulevard av Billy Wilder. Gloria Swanson spelar huvudrollen som Norma Desmond, en gammal stumfilmsstjärna som försöker göra comeback med hjälp av den kämpande manusförfattaren Joe (William Holden). Sunset Boulevard är en dyster varningshistoria om berömmelsens giftighet och flyktiga natur, och är skrämmande som ett stycke mörk Hollywood-självreflektion. Den är en lämplig dubbelfilm med filmer som Mulholland Drive, Birdman, Map to the Stars, Once Upon a Time in Hollywood och Babylon.
27. Les Diaboliques (1955)
(Bildkredit: CinÉdis)
I denna franskspråkiga psykologiska skräckfilm från regissören Henri-Geoorges Clouzot samarbetar frun och älskarinnan till en grym skolrektor för att döda honom, bara för att bli hemsökta av sina handlingar när hans kropp visar sig vara försvunnen. Les Diaboliques (släppt som Diabolique i USA) uppfann inte nödvändigtvis skräckgenren, men dess inflytande talar för sig själv; Psycho-författaren Robert Bloch citerade denna film som en favorit genom tiderna i en intervju 1983. Les Diaboliques är full av spänning och paranoia, och måste erkännas som ett mordmysterium som genomförs felfritt utan att ens en droppe blod spills.
26. Romersk semester (1953)
(Bildkredit: Paramount)
Audrey Hepburn och Gregory Peck bländar tillsammans i William Wylers lättsamma men bitterljuva romantiska komedi. I Roman Holiday spelar Hepburn en europeisk prinsessa som vandrar runt i Rom och hamnar i sällskap med en charmig amerikansk journalist (Peck). Tillsammans njuter de två av en oväntat romantisk tur genom den antika staden och tillåter sig själva att frossa i kortlivad extas innan de återgår till sina individuella liv. I filmen säger en tårögd Hepburn: ”Jag vet inte hur man tar farväl.” Roman Holidays bestående dragningskraft alla dessa år senare visar att publiken inte heller vet.
25. Shane (1953)
(Bildkredit: Paramount)
Innan superhjältarna styrde filmvärlden fanns cowboyerna och revolvermännen i westernfilmerna. Genren nådde sin höjdpunkt på 1950-talet, då en film stod över dem alla: Shane, ett underbart regisserat panoramaepos av George Stevens. Shane är baserad på en bok av Jack Schaefer och handlar om en skicklig revolverman (Alan Ladd) som desperat vill lämna sin våldsamma historia bakom sig. Efter att ha slagit rot hos en lantbrukarfamilj i Wyoming tvingas Shane lämna ”pensionen” för att bekämpa rovgiriga skurkar och hänsynslösa baroner. I slutet rider Shane mot solnedgången medan ett barn ropar på honom att ”komma tillbaka”, vilket oavsiktligt förebådar westernfilmens förestående försvinnande som vår idealbild av hjältemod.
24. Vissa gillar det hett (1959)
(Bildkredit: United Artists)
En av Marilyn Monroes bästa filmer var också en av hennes sista. I Billy Wilders skruvade brottskomedi Some Like It Hot spelar Tony Curtis och Jack Lemmon jazzmusiker från förbudstiden som flyr från Chicagos gangsters genom att förklä sig till damer och ansluta sig till ett resande kvinnligt band på väg till Miami. De två faller för bandets sångerska och ukulelespelare Sugar (Monroe) och börjar tävla om hennes kärlek samtidigt som de behåller sina falska identiteter. Även om ”ingen är perfekt” är Some Like It Hot fortfarande en perfekt komedi.
23. Singin’ in the Rain (1952)
(Bildkredit: MGM)
Singin’ in the Rain, som regisserades och koreograferades av Gene Kelly och Stanley Donen, är mycket mer än dess eviga bilder av öppna paraplyer, gula regnrockar och Debbie Reynolds som dansar sig till ära. Filmen utspelar sig 1927 och slutet på stumfilmstiden är nära när filmstjärnan Don Lockwood (Kelly), hans pianospelande bästa vän Cosmo (Donald O’Connor) och den blivande skådespelerskan Kathy Selden (Reynolds) arbetar tillsammans på ett nytt projekt som syftar till att utnyttja den nya spännande tekniken med synkroniserat ljud till rörliga bilder. Singin’ in the Rain är rolig och färgstark och visar den soligare sidan av Hollywoods ständigt framåtsträvande utveckling som så ofta krossar drömmar.
22. Gojira (1954)
(Bildkredit: Toho)
Över tio år efter att Japan utsattes för kärnvapenbombardemanget som avslutade andra världskriget dök ett oheligt monster upp ur havet för att påminna mänskligheten om dess förestående förintelse. Den japanska originalversionen Gojira av Ishiro Honda är känd i västvärlden som Godzilla och är ett mästerverk av monsterskräck där människans och odjurets grymheter är omöjliga att skilja åt. Medan ”Godzilla” sedan dess har blivit en serietidningshjälte på båda sidor av Stilla havet, har remakes och reboots under 2000-talet försökt att återställa Big G:s ursprungliga nyanser som en Lovecraft-liknande mardröm. Vissa har lyckats. Men när de misslyckas finns det fortfarande Gojira.
21. Den tystlåtne mannen (1952)
(Bildkredit: Republic Pictures)
Även om John Wayne var mest känd som en hjälte i Hollywoods westernfilmer, gav regissören John Ford publiken en annan bild av ikonen i sin ljuva romantiska komedi The Quiet Man, baserad på en novell i Saturday Evening Post. John Wayne spelar Trooper Thorn, en irländskfödd amerikansk boxare som vill köpa sin familjs gamla gård när han blir förälskad i den eldiga Mary Kate (Maureen O’Hara) på den irländska landsbygden på 1920-talet. Fords film är filmad i livfull Technicolor och känns verkligen levande med sina hisnande ögonblicksbilder av den irländska landsbygden, för att inte tala om O’Haras vackra röda hår som bryter av mot den rikliga grönskan. Även om dess skildring av könsroller känns väldigt föråldrad, kan du inte låta bli att njuta av det landskap som Ford fångar.
20. Rebell utan orsak (1955)
(Bildkredit: Warner Bros.)
Förmodligen den definitiva James Dean-filmen, den odödliga hjärtekrossaren skiner i Nicholas Rays fantastiska coming-of-age-drama som avslöjar den fulhet som bubblar inom USA:s efterkrigstida tonåringar. Dean spelar huvudrollen i Jim Stark, en orolig tonåring som hamnar i kläm mellan sina bråkiga föräldrar i Los Angeles. Han inleder en skakig romans med en annan tjej från sin high school, Judy (Natalie Wood), som också har problem hemma och umgås med ett tufft gäng. James Dean dog i en bilolycka i september 1955, vid 24 års ålder; Rebel Without a Cause släpptes postumt bara några veckor efter hans bortgång. Men filmens oåterkalleliga inverkan har cementerat Deans status för eftervärlden och säkerställt att varje generation kan se en bit av sig själva i James Deans sympatiska ögon.
19. Natt och stad (1950)
(Bildkredit: 20th Century Studios)
Filmskaparen Jules Dassin fruktade sin egen svartlistning under McCarthyismen och flydde till London för att göra en film som genomsyrades av misstänksamhet, förtvivlan och misstro. I Night and the City spelar Richard Widmark Harry Fabian, en självdestruktiv amerikansk bedragare som blir inblandad i Londons professionella wrestlingkrets. Även om Night and the City ofta förbises jämfört med andra noirklassiker är den en sjaskig thriller som förkroppsligar brittisk pulp fiction, där bakgator och barrum kryllar av amoraliska karaktärer vars enda lojalitet är mot sig själva. Även om det finns två olika versioner av filmen med olika slut – en för den brittiska publiken, en annan för den amerikanska – insisterar Dassin på att den cyniska amerikanska klippningen ligger närmare hans vision.
18. Tokyo Story (1953)
(Bildkredit: Shochiku)
Akira Kurosawa växte under 1950-talet fram som en av Japans mest hyllade filmskapare. Men bland hans största samtida var Yasujiro Ozu, vars modernistiska, minimalistiska stil står i stark kontrast till Kurosawas svepande operor. År 1953 gjorde Ozu vad som allmänt anses vara ett av hans mästerverk: Tokyo Story, om ett pensionerat par som reser till Tokyo för att besöka sina fyra vuxna barn. Ozus film, som har ett långsamt tempo och en kamera som nästan aldrig rör sig, utforskar västvärldens omedelbara inflytande över Japan under åren efter andra världskriget och föräldrarnas universella alienation från sin växande avkomma. Även om det inte är en komedi, avslöjar dess milda humor den skimrande skönhet som finns i den lägre medelklassens vardagsliv.
17. Draculas skräck (1958)
(Bildkredit: Universal)
Flera år efter att Universals monster dragit sig tillbaka in i skuggorna inledde den brittiska studion Hammer sin egen era med Dracula (i USA känd som Horror of Dracula) med Sir Christopher Lee som den ikoniska vampyren. I motsats till Bela Lugosis ikoniska men karikatyrartade roll som den transsylvanske greven förkroppsligar Lee en stiligare iteration som lyfter fram den erotiska aspekten av vampyrer och deras benägenhet att bita sig i nacken och tappa blod. (I Lees version introducerades för övrigt även dubbla huggtänder, vilket Lugosi inte hade i sin film från 1931). Lee spelade Dracula i många fler filmer efteråt, men hans debut från 1958 är fortfarande överlägsen.
16. Härifrån till evigheten (1953)
(Bildkredit: Columbia)
I Fred Zinnemanns romantiska och dystra epos från 1953 möter amerikanska soldater stationerade på Hawaii sina öden under dagarna som leder fram till attackerna mot Pearl Harbour. Den stjärnspäckade rollistan inkluderar Frank Sinatra, Burt Lancaster, Deborah Kerr och Donna Reed, men det är Montgomery Clift som förankrar filmen som menige Robert E. Lee ”Prew” Prewitt, en hängiven soldat och begåvad hornblåsare som vägrar att uppfylla sin kaptens önskan att ge honom boxningsmästartitlar. Alla närvarande, alla ikoner från den sista delen av Hollywoods guldålder, är i toppform som dödsdömda människor på väg mot när deras liv förändras för alltid. Montgomery Clift var berömd för att inte vilja spela många roller, men Härifrån till evigheten är lätt bland hans finaste.
15. Blodets tron (1957)
(Bildkredit: Toho)
I Akira Kurosawas fängslande återberättelse av Shakespeares Macbeth spelar den oförglömlige Toshiro Mifune rollen som en samuraj som motsvarar Macbeth och som av en ond skogsande får veta att hans framtid som slottsherre är nära förestående. Throne of Blood är en kulturell fusion av Shakespeare-motiv med japansk Noh-teater och är förtrollande som en dimfylld mardröm där makten kommer lätt men styrkan att hålla fast vid den kommer till ett högt pris. Throne of Blood är delvis politisk thriller, delvis skräckfantasi, och är en imponerande film som förtjänar odödlighet i en hagelstorm av pilar.
14. 12 arga män (1954)
(Bildkredit: United Artists)
Praktiskt taget varje generation får sin version av 12 Angry Men. Men 1957 gjorde regissören Sidney Lumet en oförglömlig produktion med en rollista som inkluderade Martin Balsam, John Fielder, Lee J. Cobb, Jack Klugman, Henry Fonda och många fler. 12 Angry Men är baserad på Reginald Roses pjäs från 1954 och handlar om meningsskiljaktigheterna i en jury som febrilt överlägger om en tonåring som anklagas för mord ska dömas eller frikännas. Nästan alla rättegångsdramer efteråt har tagit sin utgångspunkt i 12 Angry Men, som innehåller all sin dramatik i ett enda juryrum men aldrig någonsin känns instängd.
13. Ben-Hur (1959)
(Bildkredit: MGM)
De tio budorden var inte den enda religiösa blockbustern på 1950-talet. År 1959 spelade Charlton Heston huvudrollen i William Wylers prisbelönta epos av omätliga mått. Bokstavligen hundratals hantverkare arbetade bakom kulisserna, inklusive 100 kostymtillverkare, 200 artister, 10 000 statister plus cirka 200 kameler och 2 500 hästar, som alla behövdes för att pressa det då nya widescreen-formatet till dess yttersta gränser. Men där Ben-Hur oförklarligt nog lyckas är hur den fortfarande berättar den fokuserade historien om Judah Ben-Hur, hjälten i Lew Wallaces roman från 1880 om en judisk prins som förslavas av romarna och senare möter den ende och ende Jesus Kristus. Inte ens dagens megadyra franchise-uppföljare kommer i närheten av att beröra Ben-Hurs rena majestät.
12. En spårvagn till önskan (1951)
(Bildkredit: Warner Bros.)
Baserat på Tennesee Williams Pulitzer-vinnande pjäs som dramatiserar giftiga relationer, har Elia Kazans adaption Vivien Leigh, Kim Hunter och naturligtvis Marlon Brando i huvudrollerna. Sydstatstjejen Blanche (Vivian Leigh) reser från Mississippi för att bo med sin syster i en sliten lägenhet i New Orleans. Även om det hjälper att materialet som den är baserad på i sig är en vördad klassiker som de bästa skådespelarna kan sätta tänderna i, är Kazans filmversion ett riktigt kraftpaket i hur den fångar några av de största skådespelarna som Hollywood någonsin har sett när de är som allra bäst.
11. Ärans stigar (1957)
(Bildkredit: United Artists)
När man pratar om Stanley Kubrick förbises ofta hans krigsfilm Paths to Glory från 1957; hans andra mästerverk som 2001: A Space Odyssey, A Clockwork Orange, The Shining, Full Metal Jacket och Eyes Wide Shut dominerar vanligtvis folks uppmärksamhet. Men Kubrick visade sina ovanliga men skarpa färdigheter som en visuell mästare i sin fjärde film. Paths of Glory utspelar sig i Frankrike under första världskriget och Kirk Douglas spelar en befälhavare som vägrar att gå vidare med vad som i själva verket är en självmordsattack och därefter utmanar anklagelserna om feghet mot dem i en krigsrätt. Kubrick var bara 29 år när han regisserade Paths of Glory, och ryktet om hans oklanderliga regi följde honom i flera år efteråt, även efter hans död 1999.
10. Hiroshima mon amour (1959)
(Bildkredit: Rialto Pictures)
Om en erotisk dröm kunde bli en film skulle den se ut som Hiroshima mon amour. I denna samproduktion mellan Frankrike och Japan släpper regissören Alain Resnais plötsligt in publiken i intimiteten hos en japansk man (Eiji Okada) och en fransk kvinna (Emmanuelle Riva), deras kroppar är täckta av både svett och aska. Filmen utspelar sig på ett icke-linjärt sätt och berättar om dessa två främlingars korta romans i efterkrigstidens Japan som nyligen hemsökts av kärnvapenförstörelse. Denna omöjliga kärlekshistoria och meditation över internationella trauman bidrog till att katapultera den franska nya vågen till en världsomspännande publik.
9. Världarnas krig (1953)
(Bildkredit: Paramount)
Byron Haskins filmversion från 1953 är baserad på H.G. Wells roman från 1898 och ser samtida södra Kalifornien som gränsen för en invasion av marsianska styrkor. Med Orson Welles legendariska radiosändning fortfarande i publikens medvetande när den släpptes, drar War of the Worlds nytta av film som ett visuellt medium med den anmärkningsvärda kontrasten mellan den amerikanska arméns primitiva artilleri och den eleganta, utomjordiska tekniken på Mars. Innovativ som en specialeffektsfest, men odödlig som en skakande berättelse som varnar för att människor aldrig kan vara för säkra som den mest intelligenta arten.
8. High Noon (1952)
(Bildkredit: United Artists)
Westernklassikern High Noon regisserades av Fred Zinneman och utspelar sig i realtid när den följer en stadsmarshal (Gary Cooper) som står mellan att ensam konfrontera ett gäng skurkar eller att fly med sin fru (Grace Kelly). Med sin kraftfulla destillering av västernhjälte till en ensam man mot en ondskefull hord, hjälpte High Noon till att återuppfinna och återuppliva västernfilmer under många år framöver. Det borde inte förvåna någon att flera amerikanska presidenter har uttryckt beundran för High Noon, inklusive Dwight Eisenhower, Ronald Reagan och Bill Clinton.
7. På vattenfronten (1954)
(Bildkredit: Columbia)
Inspirerad av en serie Pulitzer-vinnande artiklar av Malcolm Johnson för New York Sun, återförenar On the Waterfront regissören Eliza Kazan med Marlon Brando i ett brännande drama om brott och korruption vid vattnet i Hoboken, New Jersey. Brando spelar Terry Malloy, en före detta boxare som avsiktligt arrangerar en match på begäran av en maffiaboss. Terry arbetar nu som hamnarbetare och blir förskräckt när han tvingas till tystnad efter att ha bevittnat mordet på en hamnarbetarkollega. On the Waterfront är en av många filmer från början av 50-talet som använde sitt berättande för att fördöma McCarthyismen, men dess berättelse resonerar bortom dessa tider som ett porträtt av hjälplöshet inför överväldigande odds.
6. Sju samurajer (1954)
(Bildkredit: Toho)
Akira Kurosawas episka klassiker om samurajer som går samman för att försvara en utsatt by, helt gratis, inspirerar och lockar även efter alla dessa år. Med en ensemble ledd av Takashi Shimura, Yoshio Inaba, Daisuke Kato, Seiji Miyaguchi och Toshiro Mifune skapade Kurosawas berättelse sin egen undergenre av bråkiga män som går samman för en ädel sak snarare än själviska syften. Det har inte bara gjorts direkta remakes, som The Magnificent Seven från 1960 (som gjorde om filmen till en cowboy-western), utan även spirituella hyllningar i filmer som The Dirty Dozen, Saving Private Ryan, The Expendables, The Avengers, Justice League och hela Star Wars-franchisen.
5. Nordväst för nordväst (1959)
(Bildkredit: MGM)
Alfred Hitchcock avslutade 1950-talet med sin spionthriller North by Northwest, en bestående jätte till film. Med Cary Grant och Eva Marie Saint i huvudrollerna följer filmen en oskyldig man (Cary Grant) som flyr för sitt liv genom USA från mystiska agenter som tror att han smugglar statshemligheter. År 1959 var Hitchcock redan en hyllad konstnär, men med North by Northwest cementerade han sin briljans i en film som var både spännande och lekfull.
4. Fönstret åt gården (1954)
(Bildkredit: Paramount)
I detta gripande stadsmysterium misstänker en fotograf (James Stewart) som läker efter ett brutet ben att hans granne på andra sidan gatan kan ha mördat någon. Med hjälp av sin rastlösa flickvän (Grace Kelly) och sin sjuksköterska (Thelma Ritter) försöker Stewarts rollfigur Jeff skipa rättvisa utan att förlora förståndet. Även i modern tid, när våra sociala flöden till fullo använder sig av POV-filmning och våra smartphone-kameror har gjort oss alla till amatörfotografer, visar Hitchcocks film den dramatiska kraften i ett begränsat perspektiv.
3. Umberto D. (1952)
(Bildkredit: Rialto Pictures)
I denna neorealistiska klassiker från den italienska filmskaparen Vittorio De Sica gör en fattig äldre man i Rom allt han kan för att överleva tillsammans med sin hund. Filmen var impopulär hos den italienska allmänheten när den släpptes, med tanke på att Italien som helhet befann sig mitt i återhämtningen efter kriget och en bräcklig man som tigger på gatorna inte var smickrande för landets image. Men publiken överallt har kommit att beundra Umberto D. som en hjärtskärande berättelse där vänlighet har urholkats av moderniteten. Umberto D. är en iskall klassiker inom världsfilmen och har väldigt lite att erbjuda men så mycket att ge.
2. Kyss mig dödligt (1955)
(Bildkredit: United Artists)
Om någon tror att 1950-talet var tillknäppt, väluppfostrat och fullt av sunda värderingar, se då mörkret i Kiss Me Deadly. Robert Aldrichs filmatisering av Mickey Sillanes roman handlar om detektiven Mike Hammer (Ralph Meeker) som plockar upp en liftande kvinna (Maxine Cooper) och inleder en fruktansvärd och oförglömlig natt. Kiss Me Deadly har hyllats som en föregångare till den franska nya vågen och som en metafor för det kalla kriget, och har influerat de mest vördade filmgiganterna, inklusive Francois Truffaut, Jean-Luc Godard och Quentin Tarantino. Det är helt enkelt ett mäktigt verk.
1. Vertigo
(Bildkredit: Paramount)
Alfred Hitchocks psykologiska thriller Vertigo, som släpptes 1958, placeras regelbundet på många best-of-listor; 2012 knuffade den Citizen Kane från den eftertraktade förstaplatsen i The Sight & Sound Greatest Films of All Time. Den hyllas som sådan av goda skäl. James Stewart spelar huvudrollen som John ”Scottie” Ferguson, en pensionerad detektiv som gav upp sin polisbricka efter att ha drabbats av akrofobi – en rädsla för höjder. Men när Scottie anlitas av en bekant för att följa efter deras fru, Madeleine (Kim Novak), måste Scottie konfrontera sina rädslor. Med sin upptagenhet av psykologisk besatthet delar Vertigo knappt skillnaden mellan uppsluppen underhållning och cerebral arthouse-stil, och ibland suddas de två ut på sätt som bara Alfred Hitchcock någonsin visste hur man gör. Även om du inte tycker att det är ”tidernas bästa film” så är det utan tvekan en av de bästa filmerna under sitt decennium.